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Julie & Julia, Festival Internazionale del Cinema di Roma

2009-10-27T03:16:00.000-07:00

di Nora Ephron

“Sesso, amore e cibo”. Queste sono le tre cose cui non si deve mai e poi mai rinunciare nella vita. Ce lo dice Meryl Streep, l’indiscussa protagonista di questa quarta edizione del Festival Internazionale del Film di Roma, e ce lo dice Nora Ephron con il suo film “Julie & Julia”, presentato tra le Anteprime Fuori Concorso.
Le storie di due donne, provvidenzialmente con lo stesso nome, si intrecciano su piani temporali differenti a raccontarci il loro bisogno di sentirsi realizzate e la loro ricerca della felicità.
Mentre Julia Child comincia la sua avventura nel secondo dopoguerra a Parigi, dove si è trasferita per seguire il marito Paul, impiegato dei servizi segreti americani, Julie Powell lavora in un’organizzazione costituitasi dopo l’11 Settembre per aiutare le persone colpite dall’attacco terroristico. Entrambe trovano nel cibo uno stimolo e una ragione per cambiare le proprie vite.
Infatti se Julia è la prima donna che riesce ad entrare nell’esclusiva scuola di cucina del “Cordon Bleu” e che rende accessibile agli americani l’arte della cucina francese con il celebre libro “Mastering the Art of French Cooking” (in collaborazione con Simone Beck e Louisette Bertholle) e poi con il programma televisivo “The French Chef”, Julie decide di iniziare a scrivere un blog su internet per testimoniare l’originale sfida che fa con se stessa: preparare alla perfezione le 524 ricette del libro di Julia Child in 365 giorni.
A supportare le due donne nelle loro imprese ci sono i loro due mariti, Paul Child ed Eric Powell, che con pazienza e tanto tanto amore, imparano ad accettare e a rispettare l’”ossessione” per il cibo delle compagne, facendo anche da assaggiatori ufficiali, e il loro desiderio di sentirsi coinvolte in qualcosa.
E’ impossibile non riconoscere, nella sua interpretazione della Child, la bravura della Streep, che prende possesso del personaggio con una sicurezza impressionante senza però finire nell’imitazione e nella caricatura. Ne dà invece una visione personale e divertente che comunque non adombra né la giovane Amy Adams, né l’eccellente marito cinematografico Stanley Tucci.
Una commedia dagli ingredienti freschi e dosati al milligrammo, che riesce a far ridere e a commuovere e soprattutto a ricordare che la vita è fatta anche di piccole gioie e dolci piaceri.

Graziana Mirabile

Bancs Publics, Festival Internazionale del Cinema di Roma

2009-10-22T02:10:00.000-07:00

di Bruno Podalydès

Bruno Podalydès si presenta in sala, alla prima del suo film, con aria allegra, spensierata, anticipato da un’eccitato Mario Sesti (curatore della sezione Extra, che si riconferma anche quest’anno come la più interessante del Festival), visibilmente fiero di aver portato a Roma un film che è un concentrato del cinema francese più puro.
L’esilarante prologo nel quale Podalydès racconta una sua sfortunata ma divertente vicenda a Cannes fa pensare “se il buongiorno si vede dal mattino”. E il mattino fu.
Bancs publics è il film più bello visto finora al Festival; ironico, emozionante, delicato, non annoia nelle sue due ore piene e considerando una mole di attori (circa 86, tra i quali Chiara Mastroianni e Catherine Deneuve) degna di Ben Hur che si intrecciano in un groviglio di storie di vita quotidiana.
Dramma di partenza: al quarto piano di un palazzo di Versailles qualcuno ha appeso un inquietante striscione con scritta a bianca a fondo nero, “Uomo solo”.
Da qui, il film procede dividendosi in tre tempi, il primo dei quali si svolge nel palazzo di fronte, in un ufficio dove Lucie (Florence Muller) e le sue colleghe “fannullone” (come direbbe qualcuno in Italia) se ne accorgono e danno il via a una serie di ipotesi su chi possa essere, cosa voglia dire e perché.
L’indagine coinvolge tutti in poco tempo, dal basso fino al vertice dell’azienda in un susseguirsi di eventi.
In pausa pranzo, l’attenzione si sposta in un parco nella piazza vicina; qui l’atmosfera è più delicata, poetica e personaggi nuovi si inseriscono affiancandosi agli altri.
Tra giochi di bambini, tristi ricordi, amori delusi e sguardi incantati (meravigliosa la parte dei due adolescenti che si fissano per tutto il tempo senza dirsi una parola), il parco si anima di segreti, illusioni, e speranze sotto lo sguardo di un giovane barbone che fa quasi da padrone di casa.
Infine, si scatena il teatro dell’assurdo; l’incrocio di situazioni strane e comiche ha, infatti, il suo apice nel negozio di ferramenta all’angolo (lo stesso Podalydes ne è il proprietario nel film), dove impiegati improbabili e clienti di ogni genere creano momenti di una ilarità coinvolgente, fino al culmine esplosivo che ci accompagna al finale.
Bancs publics, terzo episodio della Railway station trilogy di Podalydès, può essere considerato una delle perle di questa quarta edizione, dondolandoci fino alla fine in una giostra di eventi e personaggi, come nei titoli di coda che girano in cerchio sulla panoramica dall’alto del parco dove si custodiscono segreti ed emozioni.

Patrizio Caruso

Oggi Sposi, Festival Internazionale del Cinema di Roma

2009-10-22T02:08:00.000-07:00

di Luca Lucini

Il nuovo film di Lucini, presentato Fuori concorso al Festival internazionale del cinema, il pubblico l’ha già conquistato.
La proiezione è stata preceduta, intramezzata e conclusa da forti applausi di gradimento e risate convinte; anche se non si è amanti della “moderna” commedia all’italiana (il pensiero di un accostamento a quella autentica può far rabbrividire, ma tant’è!), fa comunque piacere pensare che ogni tanto non siano solo i cinepanettoni e affini targati Boldi-De sica a “divertire” con battute squallide, spesso di argomento sessuale.
Che non ci si faccia spaventare dal fatto che gli sceneggiatori, in realtà, sono gli stessi di quei film di Natale dei quali qui c’è fortunatamente solo un velato richiamo; non è un film a sketch, non è un film che mette in piazza i comici del momento che sciorinano le loro battute di fama televisiva e richiamano in sala il pubblico più affezionato.
“Oggi sposi” ha un cast d’eccezione, particolarmente eterogeneo, si passa da Dario Bandiera (buon duo con la Ragonese) a Michele Placido (a tratti eccezionale), affiancato da Lunetta Savino e Francesco Pannofino, nei panni di una famiglia pugliese delle più rustiche.
I personaggi seguono un percorso che li porta a ricongiungersi inesorabilmente nel corso del film: quattro coppie totalmente differenti una dall’altra, lontane per molti versi, ma legate da un filo comune, il giorno del matrimonio.
E’ quindi un countdown che alterna situazioni comiche a momenti senza i quali probabilmente lo spettatore sarebbe comunque sopravvissuto (vedi la festa di gemellaggio dopo il matrimonio tra Argentero e Atias con uno “spettacolare”, nel senso negativo del termine, miscuglio di balli indiani e taranta).
Note a parte meritano Filippo Nigro, uno che non ha niente da invidiare ad altri giovani attori più blasonati (per una sua battuta è partito l’applauso più lungo durante il film), e Francesco Montanari, che fortunatamente non ha pagato il parallelo impegno nella serie di Romanzo criminale a causa della quale poteva sembrare fuori ruolo (in fondo il personaggio traffichino e poco di buono, seppur lontano dal suo Libano, lo ritrova anche qui).
I due sono rispettivamente affiancati da Carolina Crescentini, che troviamo promessa sposa di un Pozzetto sempre in forma, e da Gabriella Pession, isterica showgirl passata di moda (ricorda troppo, volontariamente o meno, Eleonora Giorgi).
Insomma, non ha certo la genialità dello humor inglese o la delicatezza della commedia francese, ma con “Oggi sposi” anche in Italia si ride bene, pur se non a livello di un festival.

Patrizio Caruso

Up in the air, Festival Internazionale del Cinema di Roma

2009-10-22T02:03:00.001-07:00

di Jason Reitman

Reitman scrive un soggetto, parte per Como e lo porta a Clooney. Clooney lo legge, e lo accetta.

Se il binomio regista-attore protagonista è parte fondamentale per la riuscita di un film, la pellicola presentata dai due a Roma avrà senza dubbio pieni consensi tra il pubblico (e se pensiamo che alla terza replica festivaliera gli organizzatori sono stati costretti a spostare “Tra le nuvole” nella sala più grande dell’auditorium, a discapito della premiere del mediocre “Lang zai ji”, è segno che il successo sarà garantito).

Ryan Bingham è un uomo sempre in volo, affascinante, carismatico, dalla fede incrollabile per il proprio lavoro che gli permette di evitare per gran parte dell’anno l’unica cosa che gli va stretta: il deprimente ritorno a casa, della quale non sente mai necessità.

Il suo è un mestiere che, al momento, per contrappasso, è tra i pochi a non risentire il peso della disoccupazione negli Usa: Bingham, infatti, è pagato per togliere il lavoro alle persone; è quello che nessun dipendente vorrebbe mai incontrare.

A turbare la quiete della sua vita fatta di soldi, successo e continui viaggi per il paese (oltre al suo grande obiettivo: arrivare a 10 milioni di miglia) è un’ambiziosa ragazza (Anna Kendrick) che propone al direttore dell’azienda (il fedele Jason Bateman) un nuovo metodo che garantisce l’abbattimento dei costi lavorando in sede e “licenziando” il personale via internet.

La libertà e gli obiettivi messi in discussione, l’incontro con una donna in carriera (Vera Farmiga), con la quale avvia un’esilarante quanto assurdo approccio nel bar di un hotel e il riavvicinamento “forzato” alla famiglia che ormai lo considera quasi un estraneo, lo mettono di fronte alla sua assoluta mancanza di radici e pongono l’attenzione sulla possibilità di cambiare.

Il film mette in luce il grave problema economico-finanziario che affligge da lungo tempo gli Usa e il resto del mondo (Reitman indica come questo sia solo un aspetto del film e che per quel tema bisognerebbe vedere “Capitalism” di Moore), ma soprattutto si concentra sulla precarietà dei rapporti umani, una “esile” critica all’apologia dell’individualismo che, in un mondo in continua comunicazione e in cui la distanza è abbattuta da ogni punto di vista, è ormai paradossalmente una realtà assodata e che, nel particolare, rappresenta una sorta di sconfitta del sogno americano.

Reitman è cresciuto tecnicamente rispetto a Juno, ma la perfezione della sceneggiatura, che non crolla quasi mai, a lungo andare può diventare stucchevole (con persone che perdono il lavoro e sono portate a credere che sia meglio così…e qualcuno ci crede!), anche se non è la solita commedia americana che chiunque si potrebbe aspettare.

Si ride e ci si interroga (per carità, non a livello esistenziale!)

Da sottolineare, ma per pura curiosità, la presenza di comparse licenziate realmente nella vita vera.

Buon film, tanti applausi, ma pur avendo vari consensi, non avrà in concorso vita facile come fu per la novità “Juno”.

Patrizio Caruso

After, Festival Internazione del Cinema di Roma

2009-10-19T07:25:00.000-07:00

di Alberto Rodriguez

Trasgredire per una sola notte. Allontanarsi dalle abitudini opprimenti, dallo stress, da vite vuote. Ma tutto ciò solo per ritrovare dei vecchi amici o per un grande desiderio di fuga da sé stessi?
“After” pone questa domanda, senza darne soluzione; non che una soluzione debba esserci per forza: “il film parla di tre personaggi arrivati a un punto morto; un viaggio per tornare a un punto di partenza”, afferma lo stesso regista.
Perché l’ “After” del titolo è un dopo, una decisione sulle sorti della propria vita che non deve essere presa, o forse non vuole esserlo, al termine di una nottata di follie, di sesso, droga e feste. Niente è risolvibile nell’arco di una notte, figuriamoci il proprio futuro.
Il film è un racconto che parte da un momento della serata, torna indietro, si snoda attraverso i tre punti di vista dei protagonisti, Manuel, Julio e Ana, viene sviscerato e riportato alla luce fino all’epilogo finale.
Tre storie, tre individui, tre anime solitarie che cercano di farsi forza calandosi nei meandri più bui della trasgressione; ognuno ha il suo mondo, ognuno i suoi problemi, ognuno è una faccia diversa della solitudine, ma per una sera le loro individualità si uniscono, si mettono a confronto, si scontrano.
Basta, ad esempio, una bottiglia scagliata al muro senza un motivo apparente, oppure l’ossessiva ricerca di piacere onanistico a far (ri)emergere l’intrinseca depressione dei protagonisti, i quali passano da euforia a tristezza, da sorrisi a pianti nevrotici in un turbinio di situazioni che nel film vanno a ripetersi, ogni volta rinnovate da un pezzo del puzzle che ora c’è e che prima mancava.
Con un montaggio intricato ma funzionale, una sceneggiatura che diverte e turba, buone musiche e un cast molto affiatato (attori spesso coinvolti in scene di nudo), è uno dei film migliori di questo festival, il quale, seppure in tono minore rispetto agli altri anni, anche stavolta può vantare qualche “perla”.

Patrizio Caruso

Masked - Legami di Sangue

2009-09-28T03:25:00.000-07:00

Dal 6 al 25 ottobre 2009

Teatro Due Roma, Sala Aldo Nicolaj
Vicolo due Macelli, 37 – Tel. 06 6788259

Il Carro dell’Orsa
Presenta

Masked
Legami di sangue
di
Ilan Hatsor

con
Massimiliano Mecca, Fabio Pappacena, Michele Degirolamo

regia e traduzione
Maddalena Fallucchi

Dal 6 al 25 ottobre 2009 arriva al Teatro Due di Roma MASKED – Legami di sangue, lo spettacolo scritto dall’autore israeliano Ilan Hatsor e diretto da Maddalena Fallucchi che ha emozionato ed appassionato pubblico e critica prima al teatro Arabo-Ebraico di Jaffa, a Tel Aviv, e poi a New York.

Dopo il successo della prima nazionale al Teatro dell’Orologio, torna in scena la raffinata e commovente vicenda di Da’ud, Na’im e Halled, tre fratelli palestinesi che hanno scelto per le proprie vite strade differenti: il più grande fa il lavapiatti a Tel Aviv ed è accusato di essere una spia a servizio degli israeliani, il secondo ha scelto la strada del terrorismo ed è scappato tra le montagne per unirsi ad un gruppo chiamato “Le Tigri della Rivoluzione” mentre il più giovane, ancora incerto, è emotivamente lacerato dall’affetto che prova per entrambi.

Vincitore del primo premio all’Israel Fringe Theater Festival ad Acco, Masked è stato il primo testo israeliano che ha avuto il coraggio di affrontare il tema dell’Intifada e che, soprattutto, ha saputo farlo preservando la propria neutralità da ogni pregiudizio. Senza esprimere sentenze storiche o politiche, infatti, l’autore focalizza l’attenzione sulla dimensione essenzialmente umana del conflitto svelando l’aspetto universale che si cela dietro ogni contesa. I tre protagonisti – fratelli prima ancora che palestinesi – divengono così icone antropologiche che, come eroi classici, continuano a vivere in ogni epoca e area geografica.
Della tragedia greca, l’opera conserva anche la struttura aristotelica – unità di tempo, luogo e azione – che si traduce in un atto unico serrato e coinvolgente. Sul palcoscenico tre giovani interpreti: Massimiliano Mecca, Fabio Pappacena e Michele Degirolamo, candidato al podio del premio ETI Gli Olimpici del Teatro nella categoria “attore emergente” proprio per Masked.

Lo spettacolo rientra nel Progetto Speciale Teatro 2009/2010, manifestazione realizzata con il sostegno del Comune di Roma - Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione, in collaborazione con l’Agis e la Siae.

Orario Spettacoli: h 21.00 – domenica h.18
Prezzo Biglietti: intero 15, ridotto 10, studenti gruppi e anziani 7

Roma Fiction Fest, terza giornata

2009-07-08T14:49:00.000-07:00

La terza giornata si è inaugurata con la Masterclass dedicata a Giancarlo De Cataldo, l’autore di Romanzo criminale, uno dei casi letterari degli ultimi anni. "A 8 anni ho messo gli occhiali e questo mi ha consegnato alla condizione di imbranato" ha raccontato l'ex magistrato in apertura al suo intervento "Giocavo male a calcio, di conseguenza leggevo tanto, e poi ho cominciato a scrivere." Dopo alcuni brevi cenni autobiografici, l’autore di Romanzo criminale ha parlato del lavoro dello scrittore, di quello dello sceneggiatore, delle differenze tra i due e di come gestirli, facendo particolare riferimento al suo romanzo di maggior successo, diventato prima un film e poi una fortunata serie tv. Durante la Masterclass sono poi intervenuti alcuni collaboratori della serie come Mimmo Rafele, Graziano Diana, Daniele Cesarano e Roberto Pastore.

Poco dopo c'è stato l'arrivo sull'Orange Carpet di due membri del cast della serie Grey's Anatomy, Eric Dame e Justin Chambers, meglio conosciuti come il Dott. Bollore e Alex Karev. I due attori hanno risposto alle domande dei giornalisti sul segreto del successo della serie, dichiarando "Penso che la serie sia molto attuale. Molto del nostro pubblico è rappresentato da ragazze, ma finchè Grey's Anatomy riuscirà ad essere uno spettacolo fresco potrà conquistare nuovi spettatori. E poi è imprevedibile. Non sai mai cos'accadrà".

A susseguirsi gli appuntamenti pomeridiani alla Multisala Adriano: l’anteprima mondiale di Leverage, Tutti per Bruno; e poi Nel bianco e Il sorteggio. La serata di gala dell’Auditorium Conciliazione chiude il cerchio dedicato al crimine presentando, appunto, Crimini: La Collection, curata proprio da De Cataldo.
La giornata si conclude poi con la Serata Fox che presenta Il mostro di Firenze e in contemporanea la seconda Notte dei Lunghi Marcelli con Marcello Cesena e il suo Jean-Claude. Infine, alle 22.45 sara proiettata l’anteprima dell’atteso tv movie di Studio Universal Helter Skelter.

Stefania Fiorese

Roma Fiction Fest, Seconda Giornata

2009-07-07T23:16:00.000-07:00

La seconda giornata del Festival si è rivelata altrettanto ricca di eventi.

La giornata è stata inaugurata dalll'attesissima Masterclass di Lost, che contava più di mille persone, molte delle quali in fila già dalle prime ore del mattino.

L'attesa delle centinaia di fan è stata premiata con l'inaspettato intervento di Matthew Fox, alias dottor Jack Shephard, all'evento che già prevedeva come ospiti gli autori della serie, Carlton Cruise, Damon Lindelof e Jack Bender, che, tra una battuta e una domanda del pubblico hanno trascorso in sala un paio d'ore, intervallate dalla proiezioni di diverse clip provenienti dalla serie. Interrogati dal pubblico sul loro futuro professionale e sul futuro della serie, gli autori hanno risposto: "Siamo così impegnati con Lost, che il prossimo anno non pensare a nient'altro". Matthew Fox ha dichiarato che "La sceneggiatura di Lost è la più straordinaria che abbia mai letto», e ha aggiunto: "Sì, gli autori mi hanno rivelato il finale: ma non è detto che sia quello vero".

Altro prestigioso appuntamento è stato quello con la conferenza stampa e la proiezione de "Le segretarie del 6°", fiction realizzata e prodotta da Edwige Fenech. Alla conferenza, insieme al regista Angelo Longoni e alla Fenech, hanno partecipato il Direttore di Rai Fiction Fabrizio Del Noce e tutto il cast. Grandi assenti le quattro attrici principali, però giustificate: "Tre di loro, Antonia Liskova, Micaela Ramazzotti e Tosca D’Aquino stanno lavorando, mentre la quarta, Claudia Gerini, è incinta, parecchio incinta…" spiega il regista.

Nel pomeriggio si sono susseguite le proiezioni aperte al pubblico di Fessbuc, Raffinati, Negli occhi dell'assassino, Le sette vite del rock e Un caso di coscienza 4, con molti elementi dei cast presenti. In serata, invece, è stato il turno di Boris 3 e Distretto di Polizia 9, Buddenbrooks, Moana e alla prima Notte dei Lunghi Marcelli con lo spassosissimo Maccio Capatonda (Marcello Macchia), che ha riempito totalmente la sala lasciando all'esterno molti fan impossibilitati ad entrare per la troppa folla.

Stefania Fiorese

Si inaugura oggi la terza edizione del RFF

2009-07-06T23:05:00.000-07:00

La terza edizione del Roma Fiction Fest ha avuto inizio oggi con la conferenza stampa di apertura all'Auditorium Conciliazione e alla Multisala Adriano. Il direttore artistico Steve Della Casa ha illustrato ai giornalisti il programma della manifestazione.

Anteprime, proiezioni, appuntamenti con personaggi e conferenze, tutti divisi per sezioni tematiche, si affiancano a l'importante iniziativa del Blindsight Project, con una sala riservata a proiezioni sottotitolate e audiodescrizioni per un pubblico non vedente. E' la prima volta in tutta Europa che una manifestazione del genere offre questo tipo di servizio, rendendo Stefano Pierpaoli e Laura Raffaeli, gli ideatori, e l'organizzazione tutta del festival orgogliosi di questo primato.

Un'altra iniziativa vede coinvolto il vincitore dell'Oscar Sean Penn che, in collaborazione con l'agenzia di aiuti umanitari delle Nazioni Unite, ha girato gratuitamente uno spot sulla crisi alimentare, dei prezzi e del Terzo Mondo. Il Festival ha accettato di aderire al progetto e dargli il suo sostegno, trasmettendo lo spot nel corso della programmazione.

«Il Festival ha un corpo unico - dichiara Steve Della Casa - l'obiettivo di quest'anno è di creare un evento partecipato da tutti i tipi di pubblico e di professionisti del settore».

Primo prestigioso ospite di questa rassegna è stato oggi Edward Eugene Aldrin Jr., meglio noto come Buzz Aldrin, il secondo uomo a mettere piede sulla luna. In occasione del 40° anniversario dello sbarco lunare avvenuto il 20 luglio 1969, il RomaFictionFest ha presentato in anteprima mondiale il film per la tv "Moonshot - The Flight of Apollo 11" (Moonshot -L’Uomo sulla Luna), proiettato in HD, in collaborazione con The History Channel.

In seguito è stato il turno di Giulio Scarpati, Margot Sikabonyi, Miki ed Eleonora Cadeddu, Lino Banfi, Ugo Dighero, Francesca Cavallin, la new entry Gabriele Cirilli e una ventina di altri fra attrici, attori e autori di Un medico in famiglia 6, che hanno sfilato sull’Orange Carpet della Multisala Adriano tra due ali di folla gioiosa per presenziare poi alla proiezioni di una puntata in anteprima mondiale della serie, preceduta da un breve riassunto dei primi sette episodi.

Stefania Fiorese

Ludovico Einaudi, Robert & Ronald Lippok, Roma incontra il Mondo

2009-07-04T12:13:00.000-07:00

Lunedi 29 Giugno il laghetto di Villa Ada, nel corso della rassegna "Roma incontra il mondo" ha ospitato il concerto del trio Whitetree. Una sopresa, per chi si aspettava uno sconosciuto gruppo indie, scoprire che dietro a questo nome anglofono si trovava Ludovico Einaudi, considerato uno dei migliori pianisti italiani, e i due fratelli Lippok, parte di una band di culto tedesca. Gli artisti, nell'ambito di un ambizioso progetto che unisce musica classica ed elettronica, hanno presentato l'album "Cloudland", ispirato al romanzo "The Palm-Wine Drinkard" dello scrittore nigeriano Amos Tutola.

Non è una novità, per Einaudi, sperimentare con contaminazioni musicali, come testimonia la sua partecipazione a un gruppo rock progressive all'inizio della sua carriera. Il progetto tra i tre artisti nasce da un incontro di alcuni anni fa, durante un concerto dei To Rococo Rot (la band dei fratelli Lippok) a Milano. Einaudi racconta: "Mi piacque molto la loro esibizione, andai a trovarli nel loro camerino e ci trovammo d'accordo sul fatto che sarebbe stato bello collaborare insieme, un giorno".

Anche i due fratelli avevano sempre desiderato mescolare la loro musica con qualcosa di totalmente diverso. "Quando Ludovico si siede al piano è pura energia e il nostro album vive di questo aspetto. Il nostro sound a volte è molto potente e a volte è delicato, ma sempre aperto alle novità", sottolinea Robert Lippock.

Così, dopo alcuni isolati concerti nel 2006 e nel 2008, il trio ha deciso di unirsi e dar vita a un vero e proprio album, che racchiudesse le esperienze di ciascuno. Il dialogo fluisce nelle note realizzando immagini di grande fascino, eliminando e smentendo ogni definizione e lasciando spazio alla pura essenza della musica, in cui niente è assoluto o catalogato, ma dove ogni nota è una sopresa, alternando esplosioni di energia a momenti di rilassante e introspettiva calma.

Stefania Fiorese

http://www.einaudiwebsite.com/

http://www.myspace.com/torococorot

http://www.villaada.org/

Coraline e la porta magica

2009-06-29T10:21:00.000-07:00

CORALINE E LA PORTA MAGICA

di Henry Selick

La prima persona a cui viene da pensare leggendo o ascoltando la frase “Dal regista di ‘The Nightmare Before Christmas’” è, sicuramente per ottime ragioni, quell’inimitabile genio di nome Tim Burton. Sbagliato. Perché non tutti sanno che il regista ufficiale dell’avventura natalizia di Jack Skeleton, ormai diventata un vero e proprio cult, è Henry Selick. Amante della stop-motion come Burton, nel suo “Coraline e la Porta Magica”, riesce a coniugare per la prima volta animazione e nuove tecnologie 3D.
Coraline è il prodotto della fantasia dello scrittore Neil Gaiman e di un suo casuale ma provvidenziale refuso (avrebbe dovuto essere Caroline). Ha undici anni e si è da poco trasferita in una nuova casa con i suoi genitori. Ma questi sono troppo presi dal loro lavoro per occuparsi di lei e, mentre vaga in un annoiato giro esplorativo dell’abitazione, scopre una porticina che conduce ad un mondo del tutto speculare a quello da cui proviene. Qui l’unica differenza è la gentilezza mostrata dalle gente, che al posto degli occhi ha due bottoni. Tutto è apparentemente migliore: la sua altra-mamma, il suo altro-papà, i suoi vicini, dalle due attrici in pensione all’eccentrico acrobata addestratore di topi. Ma presto la piccola eroina dai capelli blu si accorgerà che non è tutto così idilliaco come sembra.
In tutto ciò Tim Burton non c’entra assolutamente nulla, ma ce lo ricordano continuamente le atmosfere da favola dark e la dicotomia tra i colori vivaci del “mondo nella porta” e quelli spenti e grigi della realtà di Coraline proprio come ne “La Sposa Cadavere”. Nel lavoro di Selick però è il ritmo che delude un po’. A volte la narrazione è talmente lenta che facilmente ci si distrae da quello che poteva davvero essere qualcosa di più che il primo riuscitissimo esperimento di stop-motion da vedere con gli occhialini del 3D.

Ma a parte questi momenti di leggera deconcentrazione, “Coraline” si rivela un suggestivo viaggio attraverso sogni, incubi e mondi fantastici alla “Alice nel Paese delle Meraviglie”(in cui il Bianconiglio è un topolino saltellante e la sua tana ovviamente è la Porta Magica), che riguarda tanto i bambini quanto gli adulti, i quali non possono uscire a testa alta da nessuno dei due universi paralleli.

Graziana Mirabile

Uscita del film in Italia: 19/06/2009
Con: Dakota Fanning, Teri Hatcher, Keith David, Ian McShane, Jennifer Saunders, Dawn French
Nazionalità: USA
Anno: 2009
Genere: Animazione, Avventura, Famiglia, Fantasy

GUARDA IL TRAILER

Star Trek

2009-05-19T13:03:00.000-07:00

STAR TREK

di J. J. Abrams

Ormai il cinema americano va avanti a remake, prequel e rebooting. Un ritorno come quello di “Star Trek” sul grande schermo era abbastanza prevedibile. Non così prevedibile invece è stata la riuscita dell’impresa da parte di J. J. Abrams. Deve essere stata dura vedersela con tre stagioni televisive e ben 10 film con protagonisti la nave spaziale Enterprise e il suo variegato equipaggio.
James Tiberius Kirk, figlio di un coraggioso comandante della Flotta Stellare, viene convinto ad abbandonare la sua vita di giovane ribelle e ad arruolarsi per seguire le orme paterne. Riesce con un imbroglio a partecipare ad una spedizione di salvataggio sull’Enteprise, dove si scontrerà con Spock, primo vulcaniano (in verità per metà umano da parte di madre) ad essere ammesso nell’Accademia della Flotta Stellare. Insieme i due, con l’aiuto degli altri membri dell’equipaggio, dovranno affrontare il cattivo di turno, ovvero il Capitano Romulano.
Abrams si avvale di un cast eccezionale. Tutti i ruoli sono fantasticamente ricoperti, soprattutto quello di Spock, interpretato da Zachary Quinto, il Sylar del telefilm “Heroes”, che sembra nato per prendere il posto di Leonard Nimoy, che compare nel film quasi a passargli il testimone. Un’irriconoscibile Eric Bana si nasconde sotto le spoglie del Capitano Romulano, mentre Simon Pegg veste i panni del simpatico Scotty.
Non è una banale storia d’amore o una fanatica trasposizione dettagliata degli elementi della saga a caratterizzare la pellicola. Sono piuttosto l’azione frenetica e senza respiro, gli ottimi effetti speciali, le musiche dell’ormai collaudato Michael Giacchino e soprattutto un’intensa vena umoristica, firma vera e propria del regista, che non si definisce assolutamente un “trekkiano”, anzi…
Il film mette comunque d’accordo tutti, sia i fan dell’immortale serie di “Star Trek” che possono sentirsi soddisfatti di non aver assistito ad una radicale rivoluzione (al contrario sono tante le citazioni e le buone interpretazioni), sia il giovane pubblico e tutti coloro che pensano che il saluto a “V” dei vulcaniani significhi “Che la Forza sia con te”.

Graziana Mirabile

Uscita del film in Italia: 08/05/2009
Con: Chris Pine, Zachary Quinto, Eric Bana, Simon Pegg, Winona Ryder
Nazionalità: USA
Anno: 2009
Genere: Fantascienza

GUARDA IL TRAILER

Chie-Chan e io

2009-05-19T12:43:00.000-07:00

CHIE-CHAN E IO

di Giorgio Amitrano

tratto dal romanzo di BANANA YOSHIMOTO

commissione del NAPOLI TEATRO FESTIVAL ITALIA
con CATERINA CARPIO, ALESSIA GIANGIULIANI, GUGLIELMO MENCONI,
FRANCESCA PORRINI, CINZIA SPANO'
scene GUIDO BUGANZA
regia CARMELO RIFICI
produzione NAPOLI TEATRO FESTIVAL ITALIA, MERCADANTE TEATRO STABILE DI NAPOLI, TEATRO ELISEO

Adattamento teatrale del nuovo romanzo di Banana Yoshimoto, Chie-Chan e io racconta la storia di Kaori, una donna di quarantadue anni, e del rapporto profondo che la lega a sua cugina Chie-Chan, di cinque anni più giovane. È un legame particolare quello tra le due donne, al punto da rendere impossibile una vita fuori da questo nucleo; una dipendenza affettiva che mette in crisi la libera esistenza, priva di legami, della donna giapponese in cerca di emancipazione.
Banana riprende in questo libro, leggero e profondo, alcuni dei suoi temi ricorrenti: la solitudine, la convivenza con la morte e, soprattutto, la famiglia come invenzione: l’autrice contrappone alla famiglia biologica, in forte crisi nella società moderna, un nucleo familiare non convenzionale, all’interno del quale, in questo caso, il polo maschile ne è escluso. Come sempre, la Yoshimoto ci mostra personaggi che non hanno radici, orfani (una scena molto forte del romanzo è quella in cui Chie-chan scopre le reali circostanze della propria nascita e il suicidio della madre) che tentano di superare questo trauma “costruendosi” un’altra vita, quasi da favola, che aiuti loro a spiegare la realtà, consentendoli di entrare nell’età adulta.
La moda e l’Italia, sono due leitmotiv del romanzo. Altra ossessione del Giappone contemporaneo. Pur non essendo personalmente vittime del fashion style, le due donne vivono costantemente nel glamour. Kaori lavora in una boutique di lusso della zia, ed è costretta a viaggiare spesso tra Tokio e Milano per acquistare abiti e pur non coltivando l’interesse per la moda ha un forte senso estetico, osserva e commenta la bellezza degli abiti e la qualità delle stoffe. Molto probabilmente il motivo del racconto sta proprio qui: nella contrapposizione tra la vita pubblica di rappresentanza, la superficialità degli ambienti della moda, e il silenzioso e pacato comportamento (al limite dell’autismo) della vita privata, fatta di monotoni gesti, di piatti cucinati immancabilmente nello stesso modo e di un’unica canzone ripetuta.
Il mistero della vita appartata delle due protagoniste ha il potere di colmare il bisogno di affettività in maniera più completa e appagante di quanto la famiglia di origine o un uomo potrebbero fare.

dal 19 al 31 maggio 2009

PICCOLO ELISEO PATRONI GRIFFI
Via Nazionale, 183 − 00184 Roma
tel. botteghino: 06 4882114 06 48872222
info@teatroeliseo.it
http://www.teatroeliseo.it/
teatroeliseo.blogspot.it

ORARIO SPETTACOLI
Martedì, giovedì, venerdì – ore 20,45
Sabato ore 16,30 e 20,45
Mercoledì e domenica – ore 17,00
Lunedì riposo

COSTO DEI BIGLIETTI
poltronissima 22 euro – poltrona 16 euro

Il Canto di Paloma

2009-05-11T12:50:00.000-07:00

IL CANTO DI PALOMA

di Claudia Llosa

Buio. Un canto che sembra un lamento. Un’anziana signora racconta il suo passato, il terrore negli occhi, il dolore nelle sue vene, e nel latte con cui ha cresciuto la sua bambina, figlia di una violenza. Nella scena iniziale c’è tutta la tragedia della storia di Fausta, la protagonista, nata da uno dei tanti stupri avvenuti durante il conflitto ventennale che ha avuto luogo in Perù, alla fine del secolo scorso, dove la violazione dei diritti umani era divenuta parte dell’orribile quotidianità. La pellicola di Claudia Llosa, vincitrice del Festival di Berlino, è fatta dello stesso dolore dei suoi personaggi, soffre con essi, e non lascia scampo allo spettatore, costretto a vivere le sofferenze del film, i suoi silenzi, i suoi dolorosi segreti.
Fausta vive nella povertà della periferia di Lima, l’imminente matrimonio della cugina sembra far passare in secondo piano la morte della madre. L’incubo di cui la ragazza è stata testimone dal ventre di sua madre sembra accompagnarla in ogni suo passo, al punto tale da spingerla ad infilarsi una patata nella vagina per avere uno scudo, una protezione contro i fantasmi del passato che non danno pace al presente, nonostante la guerra sia finita da anni. Unica via di scampo contro la paura è il canto, libero, improvvisato, consolatorio: come una bambina che cerca di allontanare i suoi incubi canticchiando, così Fausta attraverso il canto cerca di liberare la sua anima dal terrore in cui è nata e cresciuta.

Claudia Llosa racconta con una sensibilità tutta femminile una storia che potrebbe essere vera, figlia della Storia che il Perù ha conosciuto sulla propria pelle. Le immagini sono essenziali, i movimenti di macchina limitati, l’occhio della regista sembra perdersi nella povertà delle baraccopoli, chiamando lo spettatore a fare altrettanto. Le scenografie incantano, calde e suggestive, quasi ad offrire una via d’uscita dalla silente sofferenza del film. Per la giovane Fausta digerire il latte del dolore significherà trovare la strada che dalla paura si snoda verso la libertà.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 8/05/2009
Con: Magaly Solier, Marino Ballón, Susi Sánchez, Efraín Solís, Bárbara Lazón, Karla Heredia, Delci Heredia, Anita Chaquiri
Nazionalità: Spagna, Perù
Anno: 2008
Genere: Drammatico

Feisbum

2009-05-11T11:52:00.000-07:00

FEISBUM

di Alessandro Capone, Dino Giarrusso, Mauro Mancini, Serafino Murri, Giancarlo Rolandi, Emanuele Sana, Laura Luchetti

Social Netflop

In Italia si sa, ci crediamo sempre molto furbi, e ogni moda, ogni nuova tendenza è un motivo valido per costruirci intorno qualunque cosa, anche se fatta male, purché sia in linea con l’ultimo grido. E se l’ultimo grido è il fenomeno Facebook, il social network più diffuso al mondo (con 8 milioni di utenti soltanto in Italia), come non pensare di arrangiarci su un film per sfruttare al massimo l’ondata e richiamare al cinema più utenti/spettatori possibili? Ma non sempre 2+2 fa 4, perché gli otto episodi di questa commedia non sono altro che un’accozzaglia di personaggi improbabili, che mostrano le pratiche meno diffuse del social network e poco hanno a fare con il fenomeno in questione. Ma facciamo un passo indietro.
Facebook si basa soprattutto sulla possibilità di ritrovarsi sul web con amici e conoscenti di cui da tempo si erano perse le tracce (compagni di scuola, ex-fidanzate, ecc), oltre ovviamente a mantenere i contatti con persone che vivono a chilometri di distanza. Quello che invece mostra questo film a episodi è un lato del tutto truffaldino di tutto ciò: c’è chi si finge un surfista australiano per rimorchiare la ragazza che gli piace, chi simula di essere un misterioso missionario a Mogadiscio per truffare una sconosciuta, chi finisce all’ospedale perché non ha più i suoi ventimila (!) amici sul profilo, e via dicendo. In quest’ottica il film cerca di estremizzare la facciata più assurda degli utenti dei social network, e l’idea si potrebbe anche accettare se il tutto non fosse trattato con una superficialità e un’approssimazione tale da voler abbandonare la sala prima dei titoli di coda (e sarebbe un errore, visto che l’episodio più carino è proprio dopo di questi).

Ad ogni modo affidare l’ingrato compito di girare questi otto episodi ad un manipolo di giovani registi è stata un’idea piuttosto apprezzabile, anche se a dirla tutta il risultato finale non è stato proprio quello desiderato: più che dare agli esordienti la possibilità di mettersi in mostra, il film sembra una missione suicida per soldati alle prime armi. Un film diretto agli utenti di Facebook che sembra scritto appositamente per non piacere agli utenti di Facebook: un vero e proprio delitto cinematografico.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 8/05/2009
Con: Primo Reggiani, Gianni Garofalo, Anna Foglietta, Giulia Bevilacqua, Corrado Fortuna, Pietro Taricone, Gigi Angelillo, Rosaria De Cicco, Alessandro Roja, Pietro De Silva, Claudia Potenza, Margherita Massicci, Daniele De Angelis, Eugenia Costantini
Nazionalità: Italia
Anno: 2009
Genere: Commedia

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Che - Guerrilla

2009-05-11T11:37:00.000-07:00

CHE - GUERRIGLIA

di Steven Soderbergh

O victoria o colpo di sonno

Come va intesa l’operazione Che Guevara realizzata da Steven Soderbergh? Due film separati, indipendenti, oppure un’opera unica, spezzata in due metà? La verità probabilmente sta nel mezzo: da un lato le due parti rappresentano i momenti decisivi dell’intensa vita del Che (non di Ernesto Guevara de la Serna, la cui storia è stata raccontata da Walter Salles nei bellissimi “Diari della motocicletta”), imponendosi come un biopic piuttosto uniforme sugli ultimi vent’anni del rivoluzionario argentino. Dall’altro si tratta però di due pellicole profondamente diverse: laddove la prima eccelleva (nel montaggio, nella narrazione, nello stile), la seconda si rivela invece piuttosto deludente.
Già dal titolo – Guerriglia – si intuisce che stavolta i giochi saranno differenti: la discussione politica (uno dei punti forti de “L’Argentino”) sparisce dalla narrazione, i salti temporali del film precedente lasciano spazio ad una fabula lineare e piuttosto banale, inoltre il personaggio stesso del Che sembra perdere le tantissime sfumature che avevano contribuito ad esaltarne il fascino nel primo film. Differenze quantomeno bizzarre per un’opera concepita come un film unico, anche perché la giungla boliviana non è poi così differente dalla Sierra cubana. Forse il Che (e di conseguenza il film) senza un personaggio complementare come Fidel Castro perde gran parte del suo fascino? Di certo la seconda parte dell’opera di Soderbergh senza Castro va a perdere un punto di riferimento politico fondamentale, per trasformarsi in due ore di vita da giungla, noiosa, piatta, dove i punti morti hanno la meglio sui guerriglieri e sul loro comandante. Inoltre la rivoluzione cubana, inutile dirlo, ha un fascino totalmente diverso rispetto all’improbabile rivoluzione boliviana, dove il Che è un personaggio già raccontato, già affermato, già visto e, quel che peggio, non voluto.

“Guerriglia” difetta proprio dove “L’Argentino” aveva convinto, lasciandoci perplessi di fronte ad una seconda parte decisamente al di sotto delle aspettative, dove la fine del comandante si rivela quasi una liberazione. Nella bellissima “Transamerika” i Modena City Ramblers, a proposito della morte del Che, dicevano che “regna l’ombra in Valle Grande”. Per colpa di Soderbergh a regnare in Valle Grande stavolta è soltanto la noia.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 30/04/2009
Con: Benicio Del Toro, Demian Bichir, Santiago Cabrera, Elvira Mínguez, Jorge Perugorría, Edgar Ramirez, Victor Rasuk, Armando Riesco, Catalina Sandino Moreno, Rodrigo Santoro, Unax Ugalde, Yul Vázquez, Carlos Bardem, Joaquim de Almeida, Eduard Fernández
Nazionalità: Spagna, Francia, USA
Anno: 2008
Genere: Biografico, Drammatico, Guerra

State Of Play

2009-05-11T11:20:00.000-07:00

STATE OF PLAY

di Kevin Macdonald

Manuale di giornalismo

Una volta Filippo Sacchi ha scritto che al cinema conta soltanto una cosa: il cinema. Così come in amore conta una cosa soltanto: l’amore. Soprattutto per questo motivo l’ultimo lavoro di Kevin Macdonald merita tutti i nostri consensi: perché nonostante un colpo di scena finale un po’ forzato e una struttura narrativa che non aggiunge molto al genere, si tratta di cinema puro, al 100%, che va oltre quelli che potrebbero essere i suoi difetti per andare dritto all’obiettivo: insinuare i suoi tentacoli lungo le poltroncine del cinema e avvinghiare il pubblico negli intrighi della trama, sorretta dallo sguardo sornione dell’ottimo Russel Crowe (gladiatore d’esperienza).

Al veterano della carta stampata Cal McAffrey viene affidato un pezzo sull’omicidio di un giovane scippatore, ucciso la notte precedente a colpi di pistola. In redazione arriva anche la notizia della morte accidentale della giovane assistente di un uomo politico in ascesa, Stephen Collins: si (s)parla di una relazione tra il politico e la ragazza, una succosa notizia di gossip per il blog della versione online del giornale, tenuto dalla caparbia Della Frye. I due giornalisti, nonostante le iniziali diffidenze (interessante in tal senso l’accenno alla diatriba tra giornalista cartaceo e blogger, una tematica molto attuale che meriterebbe un approfondimento a parte), troveranno una relazione tra i due casi, dietro ai quali si nasconde uno scandalo da milioni di dollari.

Macdonald omaggia a gran voce “Tutti gli uomini del presidente” (probabilmente il capolavoro essenziale sul mondo del giornalismo), mostrando il lavoro che c’è dietro un’inchiesta giornalistica, e allo stesso tempo la faccia meno pulita del mondo della politica. Giorni e notti dedicate ad inseguire una voce, un contatto, una fonte, tutto per riuscire a mandare l’articolo in stampa, per urlare a squarciagola una versione della verità, quella di un giornalismo che sembra non esistere più. E finalmente sui titoli di coda le rotatorie possono stampare parole e sudore di un articolo, sulle note sofferte dell’azzeccata “Long as I can see the light” dei Creedence.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 30/04/2009
Con: Russell Crowe, Ben Affleck, Rachel McAdams, Helen Mirren, Wendy Makkena, Katy Mixon, Viola Davis, Jeff Daniels, Maria Thayer, Harry Lennix, David Harbour, Rob Benedict, Zoe Lister Jones, Gregg Binkley, Arabella Field
Nazionalità: USA, UK, Francia
Anno: 2009
Genere: Crimine, Drammatico, Thriller

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MArteLive 2009, Paolo Benvegnù ospite il 12 maggio

2009-05-09T08:35:00.000-07:00

Martedi 12 maggio terzo appuntamento con MArteLive lo Spettacolo Totale. Ospite speciale della serata un cantautore d'eccezione del panorama indipendente italiano, Paolo Benvegnù, l'ex chitarrista-cantante e fondatore degli Scisma. Oltre a Benvegnù tra gli altri ospiti confermati Casador (ex Giardini di Mirò), i CFF e il nomade Venerabile.
Per la letteratura per la Anonima Scrittori mentre nello spazio cinema l'ospite speciale sarà Lorenzo Sportiello che presenterà il suo ultimo cortometraggio “Col sangue agli occhi”. Per la sezione fumetto ospite Giacomo "Keison" Bevilacqua.
Cliccando sulle singole voci sarà possibile consultare il programma degli artisti confermati per alcune delle sezioni artistiche: Musica, Teatro, Danza, Letteratura, Cinema, Videoclip, Fumetto, Fotografia, Arte Circense. Per il programma completo della serata, informazioni sui biglietti, costi, orari e modalità di ingresso rimanete sintonizzati sul sito www.martelive.it

Riunione di famiglia

2009-05-09T08:24:00.001-07:00

RIUNIONE DI FAMIGLIA

Dopo ben 11 anni, il regista danese Thomas Vinterberg, ritorna con una pellicola presentata all’ultimo Festival del Cinema di Roma e distribuita solo ora nelle sale italiane.
Il giovane cuoco Sebastian scopre di essere il figlio del grande cantante d’opera Karl Kristian Schmidt, in occasione della visita di quest’ultimo nel suo paesino d’origine. Cresciuto con la convinzione che il padre fosse morto suicida, Sebastian è balbuziente fin da bambino e l’inaspettata rivelazione non farà altro che peggiorare la sua situazione. In più, dopo tanti anni, ritrova una vecchia fiamma della sua infanzia, Maria, con la quale riprenderà una storia d’amore e per la quale lascerà la fidanzata Claudia. Ma intrighi ed equivoci ingarbuglieranno la vicenda fino alla fatidica festa organizzata per il famoso cantante.
Il “lato comico” del film è accresciuto da una serie di brillanti e divertenti personaggi come la compagna della madre di Sebastian o i colleghi-amici del protagonista alle prese con il bizzarro chef svedese, incaricato della cena per la festa in onore di Schmidt.
A detta dello stesso Vinterberg, “Riunione di famiglia” è un vero e proprio remake di “Festen – Festa in famiglia” (film completamente aderente alle regole dettate da Dogma 95, movimento cinematografico di cui il regista è un grande esponente, insieme a nomi come Lars Von Trier e Kristian Levring) in chiave di commedia, raccontando in modo divertente crisi e conflitti familiari.
Qui però ci si discosta molto dallo stile Dogma. Il montaggio frammentato e gli evidenti errori di raccordo vengono compensati da una fotografia luminosa e da accesi colori, che portano ad un finale che invece di oscurare la scena, la illumina.

Vinterberg è capace di regalare sequenze visive emozionanti e suggestive, come la rincorsa a carponi di Sebastian tra i palloncini colorati sul tavolo della cena. Tutto è guardato con leggerezza ed ironia, e l’alone drammatico che avvolge le problematiche trattate viene disciolto dall’umorismo e dalla voglia di verità e di crescita.

Graziana Mirabile

Uscita del film in Italia: 30/04/2009
Con: Oliver Møller Knauer, Thomas Bo Larsen, Ronja Mannov Olesen, Helene Reingaard Neumann
Nazionalità: Danimarca, Svezia
Anno: 2007
Genere: Commedia

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Nemico Pubblico n°1 - parte seconda

2009-04-25T03:47:00.000-07:00

NEMICO PUBBLICO N°1 - L'ORA DELLA FUGA (parte II)

di Jean-François Richet

Parigi a mano armata

Chi era davvero Jacques Mesrine? Un delinquente? Un gangster? Un idealista? Un rivoluzionario? Un gentiluomo? Un trasformista? Un genio? La risposta è probabilmente in tutti questi attributi, ed è la risposta che il regista Jean François Richet prova a dare attraverso questo biopic, finalmente completo dopo la prima parte, “L’istinto di morte”, che aveva lasciato in sospeso troppi lati della personalità di Mesrine. Ora possiamo dirlo: si tratta di un grande film, completo, ricco di azione, fascino, humour, personalità. Vincent Cassel da parte sua incolla alla poltrona e lo fa con il sorriso sulle labbra.
“L’ora della fuga” chiude perfettamente il cerchio aperto con “L’istinto di morte”: Mesrine è tornato in Francia, continua ad essere catturato dalla polizia e puntualmente ad evadere in modo rocambolesco, si innamora, diventa un fenomeno mediatico, popolare, anche grazie all’autobiografia che scrive in carcere e alle interviste rilasciate ai magazine francesi: «Non ho l’impressione di infrangere la legge, ma solo di rubare a chi ruba più di me», afferma ai microfoni dei giornalisti, nonostante il suo compagno di fuga (Mathieu Amalric, sempre ottimo) gli ricordi che sono «delinquenti, non idealisti». Ma Mesrine è uno che amava cantare «Je ne regrette rien» (“io non rimpiango nulla”): c’è da crederci.

Mesrine (guai a non pronunciarlo come vuole il protagonista, ovvero Merìn!) è un nome entrato nella leggenda: un brutale terrorista per la società, un leale idealista per chi l’ha avuto vicino, un trasformista capace di farsi beffe del capitalismo imperante (celebre la sua crociata contro il sistema bancario). Attenzione: l’opera di Richet non intende idealizzare un omicida, ma semplicemente offre un punto di vista il più possibile obiettivo su una personalità complessa e interessante come quella di Mesrine, regalando al cinema francese un personaggio affascinante nelle sue sfumature quanto spaventoso nella sua pericolosità.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 17/04/2009
Con: Vincent Cassel, Ludivine Sagnier, Gérard Lanvin, Samuel Le Bihan, Mathieu Amalric, Olivier Gourmet, Georges Wilson, Michel Duchaussoy, Myriam Boyer, Alain Doutey, Anne Consigny, Laure Marsac, Alain Fromager
Nazionalità: Francia, Canada
Anno: 2008
Genere: Azione, Biografico, Crimine, Drammatico, Thriller

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Disastro a Hollywood

2009-04-25T03:18:00.000-07:00

DISASTRO A HOLLYWOOD

di Barry Levinson

Il paradiso perduto del cinema

“Il mondo del cinema è un rigagnolo di soldi spietato e superficiale dove i ladri e i ruffiani girano a piede libero, e le persone perbene crepano come cani. Ma poi c’è anche un lato negativo”. Così afferma Bruce Willis in una scena del film, e la descrizione sembra perfettamente inserirsi all’interno della cornice confezionata dal premio Oscar Barry Levinson, maestro nel raccontare giochi di potere e cinici meccanismi della società americana. “Disastro a Hollywood”, basato sul libro del produttore Art Linson (anche sceneggiatore del film), è una movimentata commedia in cui i fili dell’industria cinematografica si intrecciano e si sfaldano fino a soffocare i personaggi stessi che li muovono.

Il passare dei giorni scandisce il ritmo del film: saranno due settimane d’inferno per il navigato produttore Ben (Robert De Niro), alle prese con un film da rimontare anche contro il volere del regista (prima della presentazione a Cannes); Bruce Willis che a causa del suo look irriconoscibile potrebbe mandare a monte una nuova pellicola e i contratti ad essa legati; i problemi dovuti alla separazione dalla moglie ed una figlia non proprio innocente. Affari di cuore e affari di cinema, amori irrecuperabili e attori impresentabili, agenti complessati e registi testardi: in due settimane la vita di Ben non conosce pause, non conosce sorrisi, solo una lunga salita che sembra portarlo verso l’orlo del precipizio.

Quello di Levinson è cinema che si nutre di se stesso e che gioca a prendersi anche un po’ in giro: l’armonica di Ennio Morricone accompagna lo spoglio dei commenti del pubblico dopo l’anteprima disastrosa del nuovo film con Sean Penn, Bruce Willis che non vuole essere Bruce Willis, agenti che temono i loro stessi clienti. Un vero e proprio girone dell’inferno dove la dannazione eterna è costituita dall’industria hollywoodiana, con i suoi contratti, le sue penali, i suoi insostenibili ritmi, mentre fuori dall’ufficio c’è una vita privata che aspetta il paradiso. Ma quello di Ben, al contrario di Levinson, non è altro che un paradiso perduto.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 17/04/2009
Con: Robert De Niro, Bruce Willis, Stanley Tucci, John Turturro, Sean Penn, Robin Wright Penn, Kristen Stewart, Michael Wincott
Nazionalità: USA
Anno: 2009
Genere: Commedia, Drammatico

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Gli amici del bar Margherita

2009-04-09T06:34:00.000-07:00

GLI AMICI DEL BAR MARGHERITA

di Pupi Avati

Eravamo quattro amici al bar

Il 1954 è stato un anno speciale nella storia italiana: l’avvento della televisione, la nascita del festival di Sanremo, il lancio delle prime automobili utilitarie lo ha reso probabilmente uno dei momenti più accecanti del boom economico, dove illusioni e speranze si fondevano in un tutt’uno con l’ottimismo. All’interno di questa cornice nasce l’ultimo film di Pupi Avati, che attraversa la Bologna raccontata dal “Papà di Giovanna” per spostarsi verso un leggendario bar della celebre via Saragozza, con i suoi eclettici frequentatori.

L’occhio del regista è offerto dalla figura di Taddeo, detto Coso, un ragazzo di 18 anni che non desidera altro che entrare a far parte della cerchia del bar Margherita. L’occasione arriva quando Al decide di usare il ragazzo come autista per i suoi giri notturni: Coso entra così a far parte di un mondo speciale nella sua normalità, fatto di tic, sogni, goliardia e scherzi mostruosi. La carrellata di personaggi del bar vanta le personalità più differenti, che messe insieme riescono a creare un’alchimia esplosiva, capace di far saltare matrimoni o di mandare a Sanremo chi non sa cantare.

Diego Abatantuono, Luigi Lo Cascio, Neri Marcorè, Fabio De Luigi, Laura Chiatti, Luisa Ranieri, Gianni Cavina, Katia Ricciarelli e il giovane Pierpaolo Zizzi: solo alcuni dei nomi di questo film corale che permette a Pupi Avati di tornare con la mente alla sua adolescenza per raccontare personaggi da lui mitizzati, innalzati a veri e propri déi, prima che la maturità e i sogni nel cassetto lo portassero lontano da quei luoghi protettivi ma privi di futuro. Un film corale dove ogni personaggio è la ruota di un carro che funziona, che magari non va troppo lontano, ma che riflette la nostalgia per un passato ascoltato mille volte nei leggendari racconti di genitori e zii, quando si stava meglio pur stando peggio. Avati non fa altro che questo: racconta la storia della “sua” Bologna con il cuore in una mano e la macchina da presa nell’altra, e soprattutto con lo sguardo di un uomo maturo degli anni 2000. L’Italia era anche questa qua.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 3/04/2009
Con: Diego Abatantuono, Pierpaolo Zizzi, Laura Chiatti, Fabio De Luigi, Luigi Lo Cascio, Neri Marcorè, Luisa Ranieri, Claudio Botosso, Gianni Ippoliti, Gianni Cavina, Katia Ricciarelli
Nazionalità: Italia
Anno: 2009
Genere: Commedia, Drammatico

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Mostri contro Alieni

2009-04-09T06:20:00.000-07:00

MOSTRI CONTRO ALIENI

di Rob Letterman e Conrad Vernon

La rivincita dei diversi

Il cinema d’animazione, si sa, negli anni ha trasformato le sue caratteristiche peculiari, smentendo radicalmente quei vecchi cliché ormai lontani che lo definivano “cinema per bambini”. Il genere in questione è divenuto terreno fertile per commedie adatte ad un pubblico senza età, che diverte i cinefili per le sue citazioni colte, che esalta i più piccoli per la simpatia dei personaggi, che gratifica i genitori per i messaggi istruttivi insiti nei film. Non fa eccezione il nuovo miracolo della Dreamworks, “Mostri contro Alieni”, che sfrutta tutte le potenzialità della tecnologia di ultima generazione (sperimentando una nuova versione in 3D, esperienza imperdibile) per raccontare un’avventura ricca di spunti divertenti e buone vibrazioni.

Susan (nella versione originale doppiata da Reese Whiterspoon) sta per sposarsi: un attimo prima delle nozze entra in contatto con una meteora che ne modifica il codice genetico, rendendola una gigantesca ragazza di 15 metri. L’esercito la cattura e la segrega insieme ad una poco invidiabile collezione di esseri mostruosi: uno scienziato pazzo dalla testa di scarafaggio, un ibrido tra una scimmia e un pesce, una massa di gel indistruttibile e una larva gigante. Susan si ritrova catapultata in un mondo incredibile, e ben presto si ritroverà costretta a tirar fuori qualità che mai aveva sospettato di avere per far fronte, insieme ai suoi nuovi amici, ad un attacco alieno in piena San Francisco: la mostruosa accozzaglia infatti è l’ultima risorsa dell’esercito americano contro la minaccia extraterrestre (sulla falsariga dell’indimenticabile “Quella Sporca Dozzina” di Robert Aldrich, dove mostri e alieni erano sostituiti da ergastolani e nazisti).

Se i mostri, nonostante la diffidenza, risultano i più adatti alla situazione, non fanno di certo bella figura i cosiddetti “umani”, arrivisti ed egoisti come il fidanzato di Susan, impacciati e inetti come lo spassosissimo presidente degli Stati Uniti (eccezionale la sua performance musicale in pieno stile “Incontri Ravvicinati del Terzo Tipo”), guerrafondai ambiziosi come il generale dell’esercito (un limpido omaggio al kubrickiano generale Turgidson de “Il Dottor Stranamore”).
Rispetto nei confronti dei “freaks”, un corso di autostima e unità d’intenti tra individui diversissimi tra loro: l’inno della “United Colours of Dreamworks” funziona e diverte, senza lasciare da parte lo spettacolo.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 3/04/2009
Con: Reese Witherspoon, Hugh Laurie, Seth Rogen, Paul Rudd, Kiefer Sutherland, Rainn Wilson, Will Arnett, Stephen Colbert
Nazionalità: USA
Anno: 2009
Genere: Animazione, Azione, Fantascienza

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NSC Non Solo Comico & Studio 12 presentano MARLENE D. The Legend

2009-04-09T06:01:00.000-07:00

NSC Non Solo Comico & Studio 12 presentano

MARLENE D. The Legend

Dopo 8 mesi di repliche in Italia e in Europa l’eclettico artista e trasformista Quince sarà eccezionalmente in scena al Teatro Greco di Roma dal 14 al 26 aprile con Marlene D. The Legend, lo spettacolo-omaggio che coniuga sapientemente lo straordinario binomio internazionale di Marlene Dietrich con Quince, perfetto interprete della splendida diva il cui trasformismo non è che un alibi ben congegnato per un’incredibile prova d’attore.

MARLENE D. The Legend, una produzione NSC Non Solo Comico & Studio 12, racconta la storia di Marlene Dietrich quando, cinquantenne, abbandona il cinema per dedicarsi al canto con la meticolosa preparazione che sempre precedeva i suoi concerti. Sullo sfondo ma non troppo gli amori, i retroscena della solitudine, lo sfarzo dei costumi, il sapore agrodolce del successo mentre sulla scena Quince interpreta e canta dal vivo Illusions, I Can't Give You Anything but Love, La Vie en Rose, Jonny, Lili Marleen e molte altre canzoni.

Accompagnato al pianoforte dal maestro Andrea Calvani, Quince-Marlene interpreta 18 tra i più bei brani del repertorio della Dietrich scritti da Cole Porter, Hollander, Pete Sigeer scanditi da pensieri, riflessioni e dall’esecuzione del famoso concerto che Marlene eseguì in tutto il mondo tra il 1950 ed il 1972, nei suoi ultimi 20 anni di carriera.

Dal 14 al 26 aprile 2009

TEATRO GRECO
Via Leoncavallo 10, 00199 Roma
06.8607513 – promozione@teatrogreco.it

ORARIO SPETTACOLI
feriali ore 21.00 – festivi ore 17.30

COSTO DEI BIGLIETTI
Biglietto intero: € 25,00 – biglietto ridotto Cral: € 15,00 – biglietto ridotto giovani, università, scuole: € 15,00 - Per informazioni e prenotazioni:

Concorso Caffè Corto

2009-04-09T05:54:00.000-07:00

presenta

MERCOLEDÌ CAFFÈ CORTO

Concorso di cortometraggi

Ogni mercoledì dalle 21:30 alle 23:00

a partire dal 15 aprile 2009

Possono partecipare al concorso i cortometraggi italiani terminati dopo il 1 gennaio 2008, girati in qualsiasi formato e della durata massima di 15 minuti.

Il premio che Fandango Cinema mette a disposizione consiste in 4 settimane di proiezione del corto vincitore di ciascun ciclo in testa alle proiezioni serali del Politecnico Fandango.

Il regolamento è in allegato e si può scaricare sul sito del caffè fandango, www.caffefandango.net e sul sito della Fandango www.fandango.it

Il Vicario

2009-04-09T05:38:00.000-07:00

IL VICARIO
di ROLF HOCHHUTH

Progetto e Lettura MATTEO CACCIA, MARCO FOSCHI, ENRICO ROCCAFORTE, ANNIBALE PAVONE, CINZIA SPANO', ROSARIO TEDESCO
Adattamento e Regia ROSARIO TEDESCO
Coordinamento CINZIA SPANO'
Produzione TEATRO STABILE DELL’UMBRIA

Dopo il grande successo della passata stagione, torna al Piccolo Eliseo Patroni Griffi, dal 14 al 19 aprile, Il Vicario di Rolf Hochhuth. A dare voce al testo che in Italia è pressoché sconosciuto sono cinque giovani attori che si sono conosciuti lavorando con Antonio Latella: Matteo Caccia, Marco Foschi, Annibale Pavone, Enrico Roccaforte, Cinzia Spanò, Rosario Tedesco.
Novità di questa edizione è che ogni sera una personalità del mondo della cultura, tra cui Giorgio Albertazzi, Andrea Satta, Giovanna Marini e Paola Turci, concluderà la mise en espace leggendo una lettera scritta da Rolf Hochhuth e attribuita, nella finzione teatrale, a una ragazza ebrea di Ostia.

IL TESTO
Pubblicato e rappresentato in trentotto nazioni. Solo in Germania – dov’è messo in scena annualmente al Berliner Ensemble – IL VICARIO ha venduto più di un milione di copie. In Italia, IL VICARIO di Rolf Hochhuth è un testo pressoché sconosciuto.
È un dramma storico in cui l’autore s’interroga sul silenzio della Chiesa, ed in particolare di Pio XII, di fronte agli orrori nazisti e alle deportazioni degli ebrei. Una riflessione sulla nostra storia recente, certo. Ma anche su temi universali quali: la posizione dell’uomo di fronte alla storia, il silenzio, il coraggio, il sacrificio, quello che è giusto e quello che è conveniente. Nonostante nel resto d’Europa IL VICARIO sia un testo conosciuto e frequentemente rappresentato sin dalla sua prima pubblicazione, avvenuta in Germania nel 1963, qui da noi ha avuto una sorte singolare.

LA TRAMA
Sullo sfondo degli orrori della seconda guerra mondiale e delle deportazioni ebraiche si muovono i personaggi di questo dramma: Kurt Gerstein, ufficiale delle SS che in segreto tenta di minare il regime nazista, Padre Riccardo Fontana, giovane sacerdote della segreteria di Stato vaticana che si schiera a favore dei perseguitati, il Dottore, incarnazione del male che ad Auschwitz conduce macabri esperimenti sui prigionieri, e soprattutto lui, IL VICARIO di Cristo, Papa Pio XII, il cui Silenzio è il vero protagonista di questa storia. Tra l’incapacità di comprendere questo Silenzio e i tentativi di indurre il Papa a condannare esplicitamente le deportazioni ebraiche, le storie dei personaggi si intrecciano fino a giungere ad un tragico epilogo.

Dal 14 al 19 APRILE 2009

PICCOLO ELISEO PATRONI GRIFFI
Via Nazionale, 183 − 00184 Roma
tel. botteghino: 06 4882114 | 06 48872222

ORARIO SPETTACOLI:
Martedì, mercoledì, giovedì, venerdì, sabato – ore 20,45Domenica – ore 17,00Lunedì riposo

COSTO DEI BIGLIETTI:
posto unico: intero 10 euro – ridotto 7 euro

La verità è che non gli piaci abbastanza

2009-03-31T09:52:00.000-07:00

LA VERITA' E' CHE NON GLI PIACI ABBASTANZA

di Ken Kwapis

Segnali da interpretare, o una semplice regola da seguire?

Quante volte noi ragazze, parlando con le amiche, le abbiamo consolate per l’ennesimo rifiuto con frasi del tipo “avrà sicuramente perso il tuo numero” oppure “magari è fuori città, per questo non si è ancora fatto sentire”? Beh, mai errore è stato più grande. Tutte noi dovremmo essere sincere e dire alla nostra amica: “La verità è che non gli piaci abbastanza”. Ed è proprio questa frase, pronunciata da Jack Berger, allora fidanzato di Carrie, all’amica Miranda durante una puntata della famosissima serie televisiva Sex and the City, ad aver illuminato le menti di Greg Behrendt e Liz Tuccillo (rispettivamente consulente e autrice proprio della serie) e a spingerle a pubblicare un manuale di auto-aiuto sulle incomprensioni tra uomini e donne, e come gestirle. Niente di nuovo, ovviamente, le librerie pullulano di manuali del genere; ma quando questo libro finisce nelle mani di due sceneggiatori come Abby Kohn e Marc Silverstein, famosi per pellicole come “Mai stata baciata” e “Opposite Sex” in cui gli equivoci tra sessi sono uno dei punti chiave, questo piccolo manuale si trasforma in un film con un cast di tutto rispetto.
Nella commedia è la ingenua e romantica Gigi (Ginnifer Goodwin) a fungere da perno attorno a cui ruotano e si svolgono le varie storie che corrono parallele e si intrecciano, in un intricato giro di tira e molla assai simile alla realtà. Come molte donne, anche Gigi è cresciuta con l’idea che, chissà per quale motivo, l’uomo agisca seguendo delle regole del tutto estranee alla donna, a cui spetta il compito di comprenderle, captare i segnali, interpretarli, e mandare avanti la relazione. Quando viene scaricata da Conor (Kevin Connolly), decide di andare in un locale dove spera di incontrarlo, ed è lì che conosce Alex (Justin Long), migliore amico di Conor, che, senza mezzi termini, le spiega quella che sembra essere una delle regole fondamentali: se un uomo vuole chiamarti, ti chiama. Se non lo fa, non gli interessi. E questo, secondo Alex, pare valere per ogni singola azione compiuta dai ragazzi. Gigi, illuminata, ne parla con le amiche, scatenando così una serie di dubbi e incertezze che stravolgono totalmente la vita delle ragazze. E’ così che Beth e Neil (Jennifer Aniston e Ben Affleck) si lasciano perché lui non si vuole sposare; Janine e Ben (Jennifer Connelly e Bradley Cooper) vedono minato il loro matrimonio dalla mancanza di fiducia e di sesso; e Mary (Drew Barrymore) e Anna (Scarlett Johansson) si trovano coinvolte in relazioni che sembrano sempre più complicate.
In un continuo qui pro quo, il film scorre sembrando rafforzare l’idea ormai comune che gli uomini vengono da Marte, e le donne da Venere, ma alla fine non sarà proprio così. Se anche è vero che veniamo da pianeti diversi, basta riconoscere un linguaggio universale e comunicare, fornendo così la soluzione anche alle situazioni peggiori. Sebbene il film sia piuttosto lungo (129 min) e in alcuni punti fatichi a scorrere, è sicuramente piacevole da vedere, specialmente per le ragazze romantiche che amano gli happy ending.

Stefania Fiorese

Uscita del film in Italia: 20/03/2009
Con: Ginnifer Goodwin, Scarlett Johansson, Jennifer Aniston, Ben Affleck, Jennifer Connelly, Drew Barrymore, Justin Long, Bradley Cooper, Kevin Connolly, Wilson Cruz, Leonardo Nam, Cory Hardrict, Corey Pearson
Nazionalità: USA, Germania
Anno: 2009
Genere: Commedia, Drammatico, Romantico

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I Mostri Oggi

2009-03-31T08:37:00.000-07:00

ANTEPRIMA - I MOSTRI OGGI

di Enrico Oldoini

Li “mostracci” vostra

Negli anni 60 il boom dei film ad episodi portò Dino Risi alla realizzazione de “I Mostri”, un geniale susseguirsi di scenette nelle quali Vittorio Gassman e Ugo Tognazzi si imponevano sulla scena da veri e propri padroni. Nel 1977 “I Nuovi Mostri”, diretto da Dino Risi, Mario Monicelli ed Ettore Scola, riuscì addirittura ad ottenere una nomination all’Oscar come miglior film straniero. Su queste basi Oldoini realizza un terzo capitolo della serie, praticamente un suicidio artistico, perché mettersi in gioco con una tradizione tale alle spalle è impresa ardua e, per la commedia italiana di oggi, praticamente impossibile: un po’ come impiantare le gambe di Woody Allen sul fisico di Arnold Schwarzenegger.
I mostri degli anni duemila sono mostrati, scusate il gioco di parole, attraverso sedici piccole scene, nelle quali emergono vizi, ipocrisie e debolezze degli italiani di oggi. Sullo schermo si alternano i vari Diego Abatantuono, Claudio Bisio e Giorgio Panariello, supportati da Sabrina Ferilli, Angela Finocchiaro, Carlo Buccirosso, Neri Marcorè, per citare qualche nome. Da questo punto di vista il cast funziona: in particolare vanno citati l’ottimo Panariello dell’episodio “Fanciulle in fiore” e Angela Finocchiaro in tutti i ruoli (la sua presenza meritava di essere più sfruttata).

Paragoni rispetto ai primi due film sono improponibili e risulterebbero alquanto imbarazzanti, e la domanda è piuttosto spontanea: cosa manca davvero alla commedia italiana dei giorni nostri rispetto a quella di quasi mezzo secolo fa? La risposta è semplicemente nei nomi: non additateci come nostalgici se insistiamo nel citare Gassman, Tognazzi, Sordi, Manfredi, Monicelli, Scola, Risi, Age e Scarpelli, solo per dirne qualcuno. Con tutto il rispetto per l’impegno profuso da Oldoini e dal suo staff, ai quali va riconosciuto il coraggio di buttarsi in un progetto così rischioso (i paragoni con il passato, per quanto andrebbero evitati, alla fine risultano inevitabili), la commedia italiana di oggi ha bisogno di idee nuove, di qualcosa di totalmente diverso: ma tutto questo interesserà ben poco, visto che la legge del botteghino darà sicuramente ragione ad Enrico Oldoini e ai suoi mostri.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 27/05/2009
Con: Diego Abatantuono, Carlo Buccirosso , Sabrina Ferilli, Giorgio Panariello, Angela Finocchiaro, Claudio Bisio
Nazionalità: Italia
Anno: 2009
Genere: Commedia

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Giorgetti presenta Cirano

2009-03-31T08:25:00.000-07:00

GIORGETTI presenta

CIRANO

di Edmond Rostand

di MICHELE SANTERAMO
musiche GIORGIO VENDOLA
con MICHELE SANTERAMO e GIORGIO VENDOLA
cura del progetto ANTONELLA PAPEO

Coproduzione COMUNE DI ANDRIA
In collaborazione con FESTIVAL CASTEL DEI MONDI DI ANDRIA
Sostegno alla produzione COMUNE DI TERLIZZI /PROVINCIA DI BARI /
REGIONE PUGLIA

Cirano è innamorato di sua cugina Rossana. Ma lei è innamorata di un bel giovane, Cristiano, che la ricambia. Cirano è brutto e lo sa, perché ha un naso troppo lungo, sul quale gli uccelli potrebbero farci il nido.Fa schifo Cirano a guardarlo, oggi si rifarebbe il naso.
Cristiano è bello ma non sa parlare. Rossana non ci ha mai parlato. Rossana ama sentire ben parlare.Cirano sa parlare, gran rimatore, e gran spadaccino.
Cirano e Cristiano mettono insieme un corpo bello e un’anima bella, e fanno un’altra persona.E Rossana, Rossana come si innamora di questa persona che non esiste, e che è la somma di questi due.
Ma poi c’è da andare a fare la guerra. E la guerra uccide, peggio del tabacco. Cristiano muore e Rossana se ne va in convento.
Cirano per 14 anni, ogni settimana va a trovarla, e non le rivela mai l’amore che da sempre ha per lei. Ma una sera, qualche minuto prima che Cirano muoia assassinato, lei capisce che le lettere che ha amato non erano di Cristiano, ma di questo suo cugino nasone, questo che oggi si sarebbe rifatto il naso. E glielo chiede: eravate voi, Cirano, ad amarmi così tanto? Vostre le lettere che m’hanno innamorata? Eravate voi ad amarmi?
No, mio caro amore, io non vi ho mai amata.

4 e 5 APRILE 2009

PICCOLO ELISEO PATRONI GRIFFI

Via Nazionale, 183 − 00184 Roma
tel. botteghino: 06 4882114 | 06 48872222

ORARIO SPETTACOLI:
Sabato ore 20,45
Domenica ore 17,00

COSTO DEI BIGLIETTI:
posto unico: intero 15 euro – ridotto 10 euro

Giorgietti presenta Amleto

2009-03-31T07:45:00.000-07:00

GIORGETTI presenta

AMLETO

di William Shakespeare

di e con MICHELE SINISI
collaborazione alla scrittura scenica MICHELE SANTERAMO
assistenza MARCELLA NOCERA
costume LUIGI SPEZZACATENE
cura del progetto ANTONELLA PAPEO

coproduzione FESTIVAL CASTEL DEI MONDI DI ANDRIA

sostegno alla produzione FESTTEATRO – PONTEDERATEATRO – ARMUNIA – PICCOLO OSSERVATORIO UNIVERSALE GARZIA

partner tecnico ARTEFATTIADP - CLAUDIO KOUGLA STUDIO

Amleto si trova in una stanza e vive in completa solitudine la sua storia. I fatti, i personaggi, sono caduti davanti ai propri occhi e malgrado il suo volere e i suoi desideri deve confrontarsi con questi e prendere delle decisioni. La tragedia sta nel fatto che deve comunque risolvere la sua storia da solo, deve stare lì a parlare con personaggi assenti. Polonio, Re Claudio, Ofelia, Laerte, la madre Gertrude, l’attore della compagnia girovaga, non ci sono o forse non sono arrivati. Solo le sedie gli fanno compagnia. L’unica presenza reale è il fantasma del padre che in quanto tale lo metterà al corrente di ciò che veramente è successo. La storia è quella che tutti noi conosciamo e il testo scespiriano è smontato e reintrodotto sulla scena attraverso un soliloquio che vuole rendere in modo chiaro lo svolgersi della storia sino alla morte.
Le sedie vuote saranno le uniche testimoni della sua esperienza.

È possibile aggiungere ancora qualcosa ad un opera che è mito-teatrale? Ho cercato di avvicinarmi a più riprese al suo nucleo drammatico attraverso vari laboratori ma puntualmente mi confrontavo con l’ossessiva e malinconica qualità della lingua scespiriana. Scoprivo di essermi avvicinato ad un mistero senza riuscire a svelarlo del tutto.
Una tragedia che sfugge all’analisi o che accetta tutte le analisi mentre racconta di un uomo che non accetta nulla. Rimane il mistero di un essere umano chiuso nella stanza dei ricordi e delle immagini che più l’assillano e da cui non vede l’ora di liberarsi.
L’intensità favolosa delle sue utopie che non riesce a sostenere.

2 e 3 APRILE 2009

PICCOLO ELISEO PATRONI GRIFFI
Via Nazionale, 183 − 00184 Roma
tel. botteghino: 06 4882114 | 06 48872222

ORARIO SPETTACOLI:
Giovedì e venerdì ore 20,45

COSTO DEI BIGLIETTI:
posto unico: intero 15 euro – ridotto 10 euro

Watchmen

2009-03-30T08:14:00.000-07:00

WATCHMEN

di Zack Snyder

Who Watches the Watchmen? (Chi veglia sui Guardiani? ndr)

New York, 1985. Richard Nixon è al suo terzo mandato presidenziale dopo la vittoria in Vietnam e il mondo pare congelato in una perpetua Guerra Fredda alle soglie di un attacco nucleare. Nella buia notte newyorkese il corpo di un uomo cade da un palazzo, schiantandosi sul marciapiede, e il suo sangue macchia per sempre un sorriso. Edward Blake, meglio conosciuto come Il Comico, è morto. Si sapeva, dopo il decreto Keene, che per i supereroi non erano tempi buoni, ma questa morte pare smuovere le acque. Molti di loro si sono ritirati, altri sono stati uccisi, o rinchiusi; i sopravissuti sono davvero pochi. E’ alla loro ricerca che va Rorschach, convinto che Il Comico non fosse che il primo della lista, che prima o poi toccherà a tutti loro. Inizialmente i suoi colleghi gli danno del pazzo, e si rifiutano di dargli retta. Ma poi Laurie Spettro di Seta II si separa dal compagno Jon Dottor Manhattan, trovando conforto nel fedele amico Dan Gufo Notturno II, con cui riscoprirà il piacere di dare la caccia al crimine, e comprendendo che forse Rorschach non aveva tutti i torti su un imminente pericolo. Ma molto pare contrastare i guardiani, mentre le lancette dell’orologio dell’apocalisse sono sempre più vicine alla mezzanotte e la guerra nucleare sta per iniziare: Rorschach è stato catturato e il Dottor Manhattan si è isolato dal mondo in un auto-imposto esilio su Marte. L’unica persona rimasta a cui rivolgersi è Adrian - Ozymandias – Veidt, l’uomo più intelligente del mondo, ma quando i Guardiani riusciranno a trovarlo si troveranno di fronte a qualcosa di sconvolgente.

Watchmen, opera originale di Alan Moore e Dave Gibbons, riscrive in maniera impensabile le regole dei più classici fumetti, quelli sui supereroi. Questi giustizieri non hanno superpoteri – fatta eccezione per il Dottor Manhattan – anzi, sono fin troppo umani, schiavi delle proprie nevrosi, con le mani sporche di sangue, in bilico tra bene e male. Rorschach, la Maschera per eccellenza, è più psicopatico che eroico; Il Comico è cinico, crudele e senza scrupoli, Ozymandias è affetto da megalomania; Spettro di Seta è preda dei propri sentimenti confusi e il Dottor Manhattan ormai è totalmente separato dalla realtà, chiuso nella propria atarassia, mentre Gufo Notturno cerca di nascondersi dalle proprie insicurezze. I personaggi sono molto caratterizzati e ad ognuno di loro nel film è dedicato un flashback sulla propria storia personale.

La trasposizione su pellicola di Zack Snyder trasuda la palese ammirazione per il modello cartaceo. Parte con dei bellissimi titoli di testa, sviluppandosi poi su diversi livelli narrativi: si passa dai lunghi monologhi metafisici del Dottor Manhattan ai momenti di azione pura caratterizzati, al giusto momento, dalla slow motion, tecnica molto amata dal regista e utilizzata anche in 300. Il tutto viene accompagnato dalla voce fuori campo di Rorschach che legge le pagine del suo diario, e da citazioni che spaziano da Shelley, Dylan, Giobbe, Einstein a Jung. Particolare è la scelta della colonna sonora, composta da alcune delle migliori canzoni di fine secolo che accompagnano e descrivono ogni singola immagine. Il risultato è una buona pellicola superomistica che mostra al mondo ciò che Snyder ha visto nelle tavole di Moore, con le sue personali interpretazioni, i ringiovanimenti, gli abbellimenti, pur conservando le immagini più eloquenti e il testo.

Stefania Fiorese

Uscita del film in Italia: 06/03/2009
Con: Malin Akerman, Billy Crudup, Matthew Goode, Jackie Earle Haley, Jeffrey Dean Morgan, Patrick Wilson, Carla Gugino, Matt Frewer, Stephen McHattie
Nazionalità: USA
Anno: 2009
Genere: Azione, Fantasy, Fantascienza, Thriller

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Soul Food

2009-03-26T01:52:00.000-07:00

CONFERENZA STAMPA

SOUL FOOD

Presentata il 24 mattina presso la sede di Palazzo Rospigliosi, la seconda edizione di Soul Food si terrà a Roma dal 28 al 30 marzo.
La manifestazione è organizzata da Don Pasta, Terrenifertili, Teatro Eliseo ( con la collaborazione di Coldiretti, Fao, Slow Food, Fondazione Campagnamica, Assessorato all’ambiente Regione Lazio e ARSIA Toscana).
Soul Food è un’espressione presa in prestito dalla cultura afroamericana per indicare che per mangiare bene si deve partire dall’anima. Sicuramente molta anima ci hanno messo gli organizzatori di questa manifestazione complessa che unisce il cibo, l’arte e la sostenibilità ambientale, che intervenendo su vari piani ha l’obiettivo di far dialogare soggetti e organismi diversi con lo scopo di ritrovare il concetto di tradizione attraverso l’arte.
Molti sono i luoghi della città che interesseranno le iniziative di Soul Food: il mercato di via Baccina nel rione Monti, il Rialto Sant’Ambrogio, il Teatro Eliseo e alcune scuole, dove saranno organizzati dei laboratori per i bambini.
Capire da dove vengono i prodotti che mangiamo, l’importanza dei mercati rionali e il rapporto con il territorio saranno gli argomenti affrontati. Ampio spazio verrà lasciato anche all’arte: musica, cinema e teatro. Discipline diverse per capire che un altro mondo è possibile e che dobbiamo cominciare a progettarlo.
Per il programma consultare il sito: www.thesoulfood.net

Paola Granato

Ponyo sulla scogliera

2009-03-23T11:29:00.000-07:00

PONYO SULLA SCOGLIERA

di Hayao Miyazaki

Il premio Oscar Hayao Miyazaki torna con una favola ambientalista dedicata ai più piccoli, ma che anche stavolta accarezza gli occhi con la sua delicata innocenza e la dolcezza dei suoi personaggi. Un viaggio di formazione, un inno all’amore per l’ambiente e quel pizzico di magia da sempre un tratto tipico dello stile Miyazaki, oltre a rappresentare un sincero simbolo di coraggio, e amicizia tra diversi.

In un villaggio marittimo del Giappone il piccolo Sosuke trova casualmente un pesce rosso, arrivato a riva incastrato dentro un barattolo di marmellata. Il bambino decide di prendersi immediatamente cura di Ponyo (così ribattezza il pesciolino), ignorando che in realtà è una delle tante creature marine sfuggite dal regno di Fujimoto, uno stregone che prova risentimento verso gli umani, causa principale dell’inquinamento delle acque. Fujimoto riesce a recuperare Ponyo dalle mani di Sosuke, ma il pesce rosso grazie alla magia riuscirà a trasformarsi in una bambina e a tornare dal suo amico, con il quale intraprenderà una grande avventura per il bene delle persone che amano e per riportare la pace tra il mondo marino e quello terrestre.

Le immagini di Miyazaki riscoprono la bellezza e i misteri dei fondali marini, in una versione contemporanea de “La sirenetta” di Andersen, affidando a due bambini speciali il compito di rispondere ai problemi del nostro tempo, con uno splendido oceano che si erge a protagonista assoluto dell’intera opera, con la sua vita, i suoi colori, le sue onde gentili e minacciose al tempo stesso: negli occhi abbiamo ancora la splendida rincorsa di Ponyo, a piedi nudi sulle acque, per riabbracciare il suo amico Sosuke. Miyazaki regala una storia infantile e dolcissima, un’occasione per emozionare i più piccoli e sensibilizzare il pubblico adulto. Il consiglio che vi diamo e di lasciarvi cullare sulle onde delle immagini del Maestro, e riscoprire il piacere, le gioie e l’entusiasmo dell’infanzia.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 20/03/2009
Nazionalità: Giappone
Anno: 2008
Genere: Animazione, Avventura, Famiglia

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Racconti Incantati

2009-03-23T11:14:00.000-07:00

ANTEPRIMA - RACCONTI INCANTATI

di Adam Shankman

Skeeter è l’inserviente di un albergo ma nel tempo libero, per dare una mano a sua sorella, si diletta a fare il babysitter per i due nipotini. La televisione annoia, e quindi si cercano altri modi per passare il tempo; Skeeter pensa di poter intrattenere i due bambini leggendo loro dei libri, ma non ne trova nessuno che sia abbastanza interessante. L’unica soluzione pare l’improvvisazione: ed è così che Skeeter si lancia in un racconto totalmente inventato da lui, coinvolgendo i nipoti a tal punto da lasciare che intervengano nel suo racconto, modificandolo ed ampliandolo. Ma ad un certo punto, accade qualcosa di magico, che nemmeno il racconto più fantasioso avrebbe potuto descrivere: Skeeter si trova a vivere personalmente le storie che crea con i nipotini, venendo catapultato nel far west, nello spazio, nel medioevo, nell’antica Roma e in Grecia, protagonista di avventure sempre più emozionanti, grazie anche ai sempre più minuziosi particolari che man mano si diverte ad aggiungere, con la complicità dei bambini.

Racconti Incantati è l’ennesima fatica della Walt Disney che, pur essendo un film a tutti gli effetti, occhieggia alle favole che da sempre hanno caratterizzato i lavori della casa di produzione. E’ così, sulla scia di Come d’Incanto, ecco un film cucito su misura per la verve comica di Adam Sandler, attore che piace sia ai grandi che ai piccoli. Fulcro della storia è ovviamente la fantasia dei bambini, ma anche quella degli adulti, che spesso non vogliono crescere, dei moderni Peter Pan che vivono la fantasia attraverso i racconti che regalano ai più piccoli. Ma anche il più fanciullesco degli uomini, in fondo, si rivela essere adulto; non appena Skeeter capisce che sono i bambini a controllare i racconti, cerca di trarne il proprio vantaggio, come ogni adulto farebbe. E’ facile intuire la morale che traspare da questo film, e fortunatamente anche il protagonista impara la lezione, lasciando che a prendere il sopravvento non sia più l’adulto senza scrupoli, ma il bambino che ha solo voglia di raccontare storie.

L’ottima interpretazione di Adam Sandler, che pare trovarsi perfettamente a suo agio con una forte sindrome da Peter Pan che si risolve nel momento del bisogno, le rapide apparizioni di personaggi storici come Buzz Lightyear di Toy Story, e quel pizzico di magia Disneyana danno vita a un film probabilmente non originalissimo, ma che sicuramente cattura l’attenzione ( e la fantasia) di grandi e piccini.

Stefania Fiorese

Uscita del film in Italia: 27/03/2009
Con: Adam Sandler, Keri Russell, Guy Pearce, Russell Brand, Richard Griffiths, Teresa Palmer
Nazionalità: USA
Anno: 2008
Genere: Commedia, Famiglia, Fantasy

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Live!

2009-03-20T05:13:00.000-07:00

LIVE! - ASCOLTI RECORD AL PRIMO COLPO

di Bill Guttentag

Sei vite, un solo proiettile

“Quale programma potrebbe raggiungere il 40% di share?” Questa è la domanda che si pone Katy Courbet (Eva Mendez), ambiziosa e cinica dirigente televisiva della rete ABN, decisa a risollevare le sorti dell’emittente ormai schiacciata dalla travolgente concorrenza. E’ sufficiente una battuta sulla roulette russa che uno dei suoi collaboratori si lascia scappare durante una riunione per illuminare la mente della donna, che, lentamente, plasma un nuovo e sadico format per un reality show, basato proprio sul pericoloso gioco in cui i partecipanti, a turno, devono puntarsi alla tempia una pistola caricata con un solo proiettile e premere il grilletto. E’ ovvio quindi che uno di loro dovrà morire, ma ciò non pare preoccupare Katy, che, ostinatamente, continua a promuovere il suo programma, andando contro colleghi, opinione pubblica e morale comune.

"Pensateci, dal Colosseo romano, dove c'erano solo posti in piedi, alle folle parigine che venivano a vedere la ghigliottina, gli uomini sono sempre stati affascinati dalla morte e, cosa più importante, dal fatto di assistere alla morte". E’ così che si giustifica contro chi la attacca, e, sorprendentemente, il pubblico pare darle ragione: il programma è ancora in fase di produzione ed è già uno degli argomenti più discussi sulle maggiori reti nazionali, sui giornali, e nelle radio; file interminabili si creano fuori dagli studi per fare i provini. Alla fine vengono scelti i sei protagonisti: Jewel, la tipica ragazzina di provincia scappata ad Hollywood per fare fortuna; Brad, universitario scapestrato e amante degli sport estremi e degli eccessi, alla ricerca dell’emozione della vita; Rick, un agricoltore caduto in disgrazia, disposto a tutto pur di salvare la fattoria e la famiglia; Byron, uno scrittore afroamericano di buona famiglia, dal look in perfetto stile Obama, alla ricerca di una forte emozione da raccontate e di un po’ di pubblicità per i suoi romanzi; Pablo, carino, povero, messicano e gay, quattro caratterische ben poco apprezzate negli USA, che vuole tirar fuori se stesso e la madre dal barrio; Abalone, una ex modella, passata dalle passerelle all’arte estrema, eccentrica e anticonformista. Saranno loro a dover mettere in gioco la propria vita davanti a migliaia di persone.

Dietro la macchina da presa troviamo il documentarista Bill Guttentag, vincitore di due premi Oscar, nel 1989 per “You don’t have to die” e nel 2003 per “Twin Towers”. Il regista non abbandona il genere, realizzando “Live! - Ascolti record al primo colpo” in stile mockumentary, un finto documentario, seguendo Katy passo per passo nella realizzazione del programma, fornendo allo spettatore un dietro le quinte che sconvolge e coinvolge fino all’ultimo ciak. Il film elabora una previsione di quello che potrebbe realizzarsi in un futuro prossimo, e fornisce dunque una critica alle tv, interessate ormai più agli ascolti che alla qualità di ciò che trasmettono, e ai partecipanti, attratti dalla fama, dalla ricchezza e dal rischio e disposti per essi a mettere in pubblica piazza non solo le proprie emotività ma le loro stesse vite. Ma la critica più feroce viene sicuramente rivolta al pubblico, ormai disinteressato alla cultura ed attirato soltanto da immagini scioccanti e ignobili scandali, senza più un briciolo di buon senso.

Stefania Fiorese

Uscita del film in Italia: 06/03/2009
Con: Eva Mendes, David Krumholtz, Eric Lively, Katie Cassidy, Jeffrey Dean Morgan, Rob Brown, Andre Braugher, Jay Hernandez, Monet Mazur
Nazionalità: USA
Anno: 2007
Genere: Commedia, Drammatico

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Rex

2009-03-20T04:09:00.000-07:00

ANTEPRIMA: REX

Torna Rex in una giornata di fuoco

Dopo il buon risultato della prima serie, andata in onda lo scorso anno con un indice di share costante del 22%, tornano in una serata “particolare” le avventure di Rex e del commissario Fabbri (il riconfermato Capparoni).

La seconda serie interamente italiana, diretta da Marco Serafini e interpretata, oltre ai già citati protagonisti, da un cast che comprende Fabio Ferri, Pilar Abella e Augusto Zucchi, è ambientata nello splendido scenario garantito da Roma. Dieci episodi per cinque puntate.
L’impegno è grande, non solo per le aspettative dovute alla prestazione precedente, ma anche per la sua ambiziosa (e forse un po’ troppo rischiosa) posizione all’interno del palinsesto di Rai Uno. Il martedì sera, infatti, già di per sé insolito per le serie italiane, vede come dirette contendenti “X factor” e “Ballarò” sulle altre reti Rai, nonché lo scoglio più grande in onda su Canale 5, “Amici”.
Sia Patrizia Cardelli, in rappresentanza di Rai Uno, che i produttori nutrono grandi speranze per questo prodotto che considerano “forte” anche per il buon riscontro che sta avendo negli altri paesi, soprattutto l’Australia (mentre in Austria, dove nacque, verranno vendute entrambe le serie presumibilmente entro il 2009); mentre Kaspar Capparoni non nasconde un certo rammarico per la programmazione del martedì, “alla fine è il pubblico che viene penalizzato”.
In realtà, l’esordio di Martedì 17 marzo in qualche modo ha giustificato la visione positiva; i primi due episodi, infatti, hanno collezionato il 17% di share (perdendo inevitabilmente qualche punto vista la concorrenza) con ben 5 milioni di spettatori a pochi passi da “Amici”, vincitore della serata.
Marco Serafini e Kaspar Capparoni individuano il successo della serie nella ricerca di novità rispetto alla versione austriaca; lo stesso attore afferma di “utilizzare l’italianità per rendere più ironico e casinista il commissario” . Un’idea di “brillantezza” garantita anche dalle gag con il collega Morini (Fabio Ferri) e dal resto del cast, ormai ben assortito e legato da un rapporto quasi familiare; un mix riuscito di indagini verosimili, assassini spietati e qualche bonario sorriso.
Riuscirà un cane a battere la concorrenza spietata?
Staremo a vedere nelle prossime puntate!

Patrizio Caruso

Nemico Pubblico n°1

2009-03-17T02:59:00.000-07:00

NEMICO PUBBLICO N°1 – L’ISTINTO DI MORTE (parte I)

di Jean François Richet

Il gangster dai mille volti

Realizzare un film in due parti separate è un progetto ambizioso quanto rischioso: di certo può rivelarsi un successo se a firmare l’opera c’è un certo Quentin Tarantino (vedi “Kill Bill” o il recente “Grindhouse”), e può sicuramente far presa sul pubblico se il personaggio in questione è un’icona mondiale (ad esempio il Che Guevara di Soderbergh con Benicio Del Toro). Al centro del progetto di Richet, regista praticamente sconosciuto all’estero, c’è invece un leggendario criminale francese, Jacques Mesrine, un nome che solo al di là delle Alpi sembra riuscire a dire qualcosa. Eppure l’ambiziosa e, come detto, rischiosa intenzione di Richet potrebbe consegnare alla storia della cinematografia francese un personaggio unico e dal fascino ipnotico.

Il film è tratto dal romanzo autobiografico che Mesrine ha scritto in carcere prima di una storica e incredibile evasione: Pichet resta fedele alla descrizione del gangster, realizzando un biopic che alterna con astuzia atmosfere noir con scene da prison-movie all’americana. Dopo un’esperienza in Algeria, tra le fila dell’esercito francese, dove per Mesrine avviene il classico “battesimo del fuoco”, la vicenda si sposta tra le vie di Parigi. L’ex-soldato si ritrova senza lavoro ma con tante ambizioni: il modo più facile per ottenere soldi e potere è la via della criminalità. Una volta introdotto nell’organizzazione del boss Guido, la vita di Mesrine è trascinata dal vento della criminalità, che lo porterà all’esilio forzato in Canada, in compagnia della sua amata Jeanne, con cui forma una nuova coppia in stile Bonny e Clyde.

Mesrine, impersonato dal sempre convincente Vincent Cassel, è raccontato con sensibilità e intelligenza: le due facce di una medaglia da un lato macchiata dal sangue delle sue vittime, dall’altra capace di far brillare l’indissolubile lealtà di un criminale innamorato della sua donna e in grado di onorare ogni volta la parola data. Funziona (e bene) la parte francese del film, arricchita dalla presenza di Gerard Depardieu, e permeata di quelle atmosfere buie che la scuola francese ha esportato in tutto il mondo; meno convincente la metà canadese, fatta di prigioni e un direttore spietato dal vago sentore di dejà-vu. Per un giudizio più completo sarà doveroso attendere la seconda metà dell’opera, intitolata “L’ora della fuga”, che arriverà da noi in aprile, nel frattempo la leggenda dell’uomo dai mille volti sembra avere le carte in regola per affascinare anche il pubblico italiano. Staremo a vedere.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 13/03/2009
Regia: Jean-François Richet
Con : Vincent Cassel, Cécile De France, Gérard Depardieu, Roy Dupuis, Elena Anaya, Gilles Lellouche, Michel Duchaussoy, Myriam Boyer, Florence Thomassin, Ludivine Sagnier, Gilbert Sicotte, Abdelhafid Metalsi
Nazionalità: Francia, Canada, Italia
Durata: 113'
Anno: 2008
Genere: Azione, Biografico, Crimine, Drammatico, Thriller

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Due Partite

2009-03-12T09:53:00.001-07:00

DUE PARTITE

di Enzo Monteleone

Otto donne a carte scoperte

Portare il teatro sul grande schermo ha sempre un fascino particolare: ne sa qualcosa Sidney Lumet, che esordì alla regia proprio con la trasposizione cinematografica di un’opera teatrale (il capolavoro “La parola ai giurati”). Enzo Monteleone ha raccolto la sfida di Cristina Comencini, creatrice e regista dell’opera teatrale nonché sceneggiatrice del film, e ha provato a raccontare la storia di due generazioni femminili, otto donne incorniciate dalla sensibilità maschile del regista, bravo nel non cadere nel facile e banale confronto tra due generazioni, ma capace di esprimere con fluidità il corso delle situazioni, mostrando la naturale evoluzione della donna piccolo-borghese degli anni 60 nella donna emancipata degli anni 90.

Anni 60: quattro amiche (Isabella Ferrari, Paola Cortellesi, Marina Massironi e Margherita Buy) si incontrano ogni giovedì nel salotto di una di esse per giocare a carte. La partita è l’occasione per raccontarsi amori, infedeltà, storie di maternità, delineando il significato di essere donna. Nella stanza accanto le loro bambine giocano spensierate.
Anni 90: le quattro bambine di trent’anni prima sono ormai donne (Claudia Pandolfi, Alba Rohrwacher, Carolina Crescentini, Valeria Milillo). Si incontrano in occasione del funerale di una delle madri, nello stesso soggiorno dove avvenivano le famose partite a carte. Sembra che le ragazze non si vedano da tempo, questo nuovo incontro è il momento ideale per raccontare le loro vite, i loro desideri, i loro sogni, il loro rapporto con gli uomini.

Gli anni passano, l’essere donna sembra essere un concetto in continua evoluzione all’interno di una società sempre meno maschilista, ma nel profondo dei loro pensieri, nel loro cuore le donne sono sempre le stesse di trent’anni prima: sognatrici, energiche, piene di speranze e di paure. Monteleone rende fluida la messa in scena, facendo giocare a carte scoperte le sue otto protagoniste, incorniciando il periodo con belle musiche (su tutte “Se Telefonando” di Mina) e malinconiche melodie (inconfondibile il pianoforte di Yann Tiersen, preso in prestito dalla colonna sonora di “Goodbye Lenin”). Un film fortemente teatrale, girato praticamente in un ambiente unico, ma pieno di ritmo e di colori, il tutto scandito dall’ironia delle sue otto bravissime interpreti, che fanno a gara di bravura, tagliando il traguardo all’unisono.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 06/03/2009
Con : Margherita buy, Paola Cortellesi, Carolina Crescentini, Isabella Ferrari, Marina Massironi, Valeria Milillo, Claudia Pandolfi, Gabriella Pession, Vittoria Puccini, Alba Rohrwacher
Nazionalità: Italia
Anno: 2009
Genere: Drammatico

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Impy Superstar

2009-02-24T12:41:00.000-08:00

IMPY SUPERSTAR – Missione Luna Park

di Reinhard Klooss e Holger Tappe

Si festeggia il compleanno del piccolo e curioso dinosauro Impy sull’isola di HulaHula, abitata da una particolare comitiva di animali parlanti: Piggy la maialina mamma di Impy, Monty la lucertola, Paki il pellicano e Ping il pinguino. La tenerissima Baboo, una cucciola di panda, è il regalo di compleanno preparato per Impy, che non si mostra particolarmente felice per la sorpresa. Ma sarà proprio grazie al suo aiuto e a quello dei suoi amici e del fantasma scozzese Eddy che Impy riuscirà a sfuggire dalle grinfie di Barnaby, losco impresario che lo vorrebbe come attrazione nel suo parco divertimenti, del suo bulldog e della bella e cattivissima Miss Lee. Una lunga serie di turbolente avventure si susseguono senza sosta per salvare il capriccioso ma dolcissimo protagonista, che intanto sogna di diventare una grande star e di trovare un compagno simile a lui, essendo l’unico anello di congiunzione rimasto fra i mammiferi e i dinosauri.

Da sottolineare, nella versione italiana, la presenza della voce di Marco Carta, trionfatore della scorsa edizione del programma tv “Amici” e neovincitore del Festival di Sanremo, il quale doppia uno degli sceicchi finanziatori del meschino Barnaby e interpreta la cover “That’s the way”, inserita nella colonna sonora del film.

Con “Impy Superstar”, la Germania continua il suo percorso nei film d’animazione computerizzati iniziato nel 2004 con “Back To Gaya”. Reinhard Klooss e Holger Tappe si ingegnano nel portare sul grande schermo per la seconda volta il simpatico Impy, personaggio tratto dai celebri libri per bambini dello scrittore Max Kruse. L’impresa è stata davvero ambiziosa dati i lunghi tempi richiesti dallo sviluppo della sceneggiatura (che non ha niente a che fare con i libri di Kruse, ma che è stata progettata appositamente per adattarsi alle esigenze di un lungometraggio animato completamente al computer) e del digital design.

Di certo, per un pubblico adulto, non sarà come andare a vedere “Shrek” o “Alla Ricerca Di Nemo”, ma bisogna riconoscere l’impegno dell’Europa nel cercare di raggiungere i grandi risultati ottenuti in America nel campo dell’animazione digitale. E sicuramente la trama potrà sembrare molto scontata in diversi punti e le gag ripetitive e banali, ma il tutto sarà ugualmente capace di soddisfare i più piccoli e di conquistarne l’attenzione e le risate.

Graziana Mirabile

Uscita del film in Italia: 27/02/2009
Nazionalità: Germania
Durata: 84'
Anno: 2007

Genere: Animazione

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Inkheart

2009-02-24T10:37:00.000-08:00

INKHEART – LA LEGGENDA DI CUORE D’INCHIOSTRO

di Iain Softley

Il cuore è d’inchiostro ma la penna non scrive

A metà strada tra “Il mago di Oz” e “La storia infinita”, l’ultimo film di Iain Softley sembra non essere né carne né pesce, fallendo nel tentativo di appropriarsi della magia del film di Fleming, e sforzandosi inutilmente di conferire fascino e mistero al romanzo protagonista della vicenda, finendo tristemente per somigliare alla parodia di se stesso. Eppure elementi validi su cui far leva ce n’erano: il potere del protagonista di far uscire dai libri i personaggi era di per sé un’idea dal potenziale eccezionale, trattata colpevolmente in modo forse superficiale, di certo non soddisfacente. Così come si poteva sfruttare meglio la meravigliosa ambientazione offerta dalla riviera ligure, in particolare nella splendida cornice di Alassio dove il film si sofferma soltanto per pochi minuti. Il cuore del titolo sembra caricato ad inchiostro simpatico: divertente all’apparenza, ma poco funzionale.

Mo (Brendan Fraser) ha il potere di far uscire dai libri i personaggi che vivono all’interno, semplicemente leggendo un brano ad alta voce. Il giorno in cui ha scoperto questo dono è stato però fatale: nel leggere il romanzo fantastico “Inkheart” alla sua bambina di tre anni, Mo fa uscire dalle pagine del libro il malvagio Capricorn, spedendo inconsapevolmente al suo interno la bella moglie Resa, che scompare nel nulla. Tanti anni dopo Mo ritrova “Inkheart” in una bottega tra le alpi: è l’occasione di riportare la sua amata Resa nel mondo reale, ma il malvagio Capricorn, che ha ricreato il suo piccolo regno tra le montagne, vuole invece sfruttare le capacità di Mo per soddisfare la sua smania di potere. Ne nascerà uno scontro tra buoni (reali e di “carta”) e cattivi, un nuovo capitolo di “Inkheart” che non era stato ancora scritto.

Brendan Fraser sembra adagiarsi troppo sugli allori del cinema fantastico (da “La Mummia” fino al recente “Viaggio al centro della Terra”), sottovalutando il suo potenziale da attore drammatico apprezzato in “The air I breathe” (finora il suo ruolo migliore), Paul Bettany al contrario risulta il personaggio più credibile del film, nel ruolo dell’oscuro e nostalgico Dita di Polvere. Helen Mirren è totalmente a disagio in un mondo in cui il suo talento è sprecato, così come è un peccato ammirare Jennifer Connelly soltanto per pochi secondi. “Inkheart” purtroppo non funziona, porta sulle sue spalle delicate il peso di una tradizione fantasy troppo imponente, che ha modellato i gusti del pubblico verso un immaginario molto più esigente, scritto su altre pagine, su tutt’altri libri.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 20/02/2009
Con : Brendan Fraser, Paul Bettany, Helen Mirren, Jim Broadbent, Andy Serkisears
Nazionalità:USA, Germania, Gran Bretagna
Durata: 106'
Anno: 2008
Genere: Fantasy

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Venerdì 13

2009-02-17T07:30:00.000-08:00

VENERDI' 13

di Marcus Nispel

C’era una volta un classico

Era il 1980 quando Jason Voorhees, con tanto di maschera e machete, faceva irruzione nell’immaginario collettivo cinematografico e nella cultura pop di fine secolo. Sono passati ben ventinove anni da quel film, un classico per gli amanti dello splatter, e Jason è tornato con tutta la sua furia omicida in altre undici occasioni: dodici film della stessa saga sembrano essere decisamente troppi, eppure la produzione (in mano a Michael Bay) ha pensato bene di proporre l’ennesimo capitolo su Jason, sulla scia dell’entusiasmo per il successo del remake di “Non aprite quella porta” (“The Texas Chainsaw Massacre”, uscito nel 2003). In quest’ottica il film sembra tentare la riproposizione di un classico del cinema horror per le nuove generazioni, senza considerare il fatto che il filone di riferimento (il teen-horror) sembra aver già espresso tutto quello che aveva da dire nei decenni precedenti, probabile causa del flop di ogni tentativo recente, come ad esempio “Shrooms”, che della saga di “Venerdì 13” è senza dubbio figlio.

Quest’ultima versione di “Venerdì 13” offre gli elementi tipici della saga, per la gioia dei fan: il celeberrimo Crystal Lake, il campeggio (ormai in disuso), sesso, droga, sangue e adolescenti in calore. Nell’incipit c’è spazio anche per la mamma di Jason, l’assassina del primo, storico, capitolo della saga, il film inoltre propone la chicca di come Jason abbia trovato la sua famosa maschera da hockey. Purtroppo non basta, come non bastano i seni prosperosi delle giovani vittime di questo film ad evitare di storcere il naso di fronte ad alcune brutture di sceneggiatura.

Una ragazza sparisce insieme ai suoi amici, nei pressi del Crystal Lake di Jason. Il fratello di lei, Clay, si lancia alla ricerca, imbattendosi in un gruppo di ragazzi giunti in riva al lago per un weekend di puro divertimento, tra alcool, sesso e droga. Jason si sa, non ama molto la compagnia, e ben presto scatenerà la sua furia contro i malcapitati, non deludendo i suoi fan in quanto a efferatezza e cattiveria. Il problema degli horror made in USA degli anni 2000 è che sfruttano esageratamente l’utilizzo di effetti sonori sparati a tutto volume per procurare gli spaventi necessari a far portare a casa la pagnotta, senza preoccuparsi del vero ingrediente di cui hanno bisogno i film horror: l’atmosfera (un esempio su tutti l’eccellente “Rec”, il miglior esempio di film horror degli ultimi anni). Forse gli spettatori dell’ultima generazione sono diventati esigenti, ma alzare il volume sul rumore di una porta che sbatte o sull’urto di una sedia è uno stratagemma che non può funzionare in eterno. L’altra faccia della medaglia ci mostra però “Venerdì 13” come un grande classico che si farà strada tra gli appassionati del genere, così come tra i giovani che ancora non si sono avvicinati alla saga, e che lo faranno ora, spinti dalla curiosità. Da questo punto di vista, nello stesso periodo dell’amato/odiato San Valentino, non dovrà sembrare strano trovare gran parte del pubblico a preferire un venerdì 13 al sabato 14: il buon Jason potrebbe rivelarsi la terapia giusta contro la più commerciale delle feste.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 13/02/2009
Regia: Marcus Nispel

Con : Jared Padalecki, Danielle Panabaker, Amanda Righetti, Travis Van Winkle, Derek Mears

Nazionalità: U.S.A.

Durata: 99'

Anno: 2009

Genere: Horror

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Under construction

2009-02-09T13:59:00.000-08:00

Blog momentaneamente in aggiornamento, abbiate pazienza, se vedete continui cambiamenti è del tutto normale!

Frost - Nixon

2009-02-08T01:59:00.000-08:00

FROST - NIXON

di Ron Howard

Un’intervista solitamente è un colloquio che un giornalista ha con una persona dalla quale desidera ottenere informazioni o dichiarazioni. Questo è un modo per dirlo, questo è quello che sembra. Delle volte dietro ad un’intervista però si nasconde uno scontro psicologico, un incontro di boxe, una lotta tra caratteri, personalità, senza esclusione di colpi. In quest’ottica il britannico David Frost, presentatore televisivo degli anni ’70, si presenta come lo sfidante, il giovane di belle speranze che cerca il colpaccio contro il campione dei pesi massimi, Richard Nixon, ex-presidente statunitense, che sente dalla sua l’opportunità di riabilitare la sua immagine agli occhi del popolo americano, indignato e tradito dallo scandalo Watergate che obbligò Nixon a dimettersi dalla sua carica politica nel 1974. Le parole che Richard Nixon rilasciò nel 1977 alle telecamere di David Frost divennero l’intervista con più audience della storia della televisione statunitense, basti pensare al fatto che Nixon, per motivi di salute, non fu presente al processo sul Watergate, procurando l’indignazione degli americani che non ebbero la soddisfazione di vedere l’uomo che li aveva traditi sul banco degli imputati.

Ron Howard, nel mezzo dei blockbuster tratti da Dan Brown (“Angeli e Demoni” uscirà in Italia a maggio), riesce a girare una pellicola di grande spessore storico e giornalistico, un gioiello di rara bellezza, affascinante come un film d’azione, dove al posto di battaglie fisiche avvengono soltanto imperdibili scontri verbali. L’intervista tra Frost e Nixon avviene in quattro giorni separati, in cui l’argomento Watergate può essere toccato soltanto nell’ultimo di questi incontri. Una sfida all’ultimo round: Nixon inizialmente schiaccia il suo interlocutore/sfidante utilizzando le sue armi preferite: personalità, aneddotica, carattere, decisione. Come suggerisce Jack Brennan, capo dello staff di Nixon (interpretato da Kevin Bacon), durante la prima intervista Frost sembra lo sfidante che si rende conto dell’insuperabile montagna che ha di fronte, l’illuso che ha appena compreso che tutte le speranze e i sogni che aveva preparato nei mesi precedenti sono in fumo. Richard Nixon infatti chiude all’angolo Frost come un toro scatenato, alternando leggerezza e decisione, rendendo credibile la sua posizione su ogni argomento scottante (il Vietnam, ad esempio) e permettendo alla sua immagine di uscirne a testa alta, da vero presidente degli Stati Uniti d’America. La straordinaria tensione della pellicola è tutta riposta nell’attesa per il quarto round, quell’ultima parte in cui Frost dovrà tirare fuori il meglio di sé, e il peggio di Nixon. E quest’ultima parte, statene certi, vale da sola il film.

Ron Howard si ricopre di nomination, grazie ad un film che fa il paio con il memorabile “Tutti gli uomini del presidente” di Pakula, il film fondamentale sul Watergate, uscito proprio un anno prima dell’intervista tra Frost e Nixon. Un’intervista che, grazie a Ron Howard, ridefinisce la concezione di action-movie.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 06/02/2009

Regia: Ron Howard
Con : Frank Langella, Michael Sheen, Sam Rockwell, Kevin Bacon, Oliver Platt
Nazionalità: U.S.A., UK, Francia
Durata: 122'
Anno: 2008
Genere: Drammatico, Storico, Biografico

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Operazione Valchiria

2009-02-07T10:23:00.000-08:00

OPERAZIONE VALCHIRIA

Valkyrie
di Bryan Singer

In un’antica abitazione di campagna risuona un vecchio 33 giri con la gloriosa “Cavalcata delle Valchirie”: le note di Richard Wagner descrivono l’incedere delle fanciulle mandate da Odino su cavalli alati, la mente del cinefilo va alla guerra psicologica del Romeo Foxtrot di “Apocalypse Now!”, nella testa del colonnello Claus Von Stauffenberg invece si fa strada l’idea per rovesciare il regime di Hitler: utilizzare il cosiddetto Piano Valchirie (un progetto di difesa messo a punto dallo stesso Fuhrer) per effettuare un colpo di stato e mettere fine alla Germania nazista. Il regista Bryan Singer, abbandonati i fumetti (“X-Men”, “X-Men 2”, “Superman Returns”), dopo il grande successo de “I Soliti Sospetti”, si dedica ad un film storico, tratto da una storia vera, caricando il tutto con suspense e una patina di tensione difficile da scrollarsi di dosso.

«Dobbiamo dimostrare al mondo che non eravamo tutti come lui». Con queste parole un gruppo di ufficiali tedeschi, durante la Seconda Guerra Mondiale, si riunisce, tramando nell’ombra, per organizzare un colpo di stato: «Possiamo servire la Germania o il Fuhrer, non entrambi». I partecipanti al complotto infatti avevano aperto gli occhi di fronte alle vergognose azioni del regime hitleriano, unendosi per riabilitare il nome della “Santa Germania” agli occhi del mondo. Per tentare l’impresa, l’uomo scelto è il colonnello Von Stauffenberg (Tom Cruise), un eroe di guerra, braccio e mente del piano che avrebbe dovuto metter fine al Reich di Hitler (il celebre attentato del 20 luglio 1944). Il film è costretto a confrontarsi con il fatto che tutti gli spettatori sanno come è andata a finire la guerra, e che dunque sanno già cosa aspettarsi dal finale: la bravura di Singer però sfrutta questo elemento, spingendo al momento opportuno la suspense sul piano dell’azione piuttosto che su quello narrativo, mostrando l’Operazione Valchiria nel pieno della sua imponente efficienza (“Il colpo di stato siamo noi!”, urla il capo della riserva militare, fino a quel momento ignaro di tutto).

Tom Cruise, nonostante la benda all’occhio, si gode la sua ennesima performance di grande valore, circondato da un cast di esemplari professionisti, tra cui spiccano Kenneth Branagh, Bill Nighy, Terence Stamp, Tom Wilkinson. Un film storico trasformato facilmente in un’operazione mediatica non indifferente: la stampa si è infervorata di fronte ad una versione del protagonista esageratamente eroica (c’è addirittura chi lo ritenesse un antisemita), ponendo inoltre l’accento sul fatto che un manipolo di ufficiali (che al tempo giurarono fedeltà a Hitler) non potesse essere considerato come un movimento di resistenza. Il Von Stauffenberg di Cruise riesce però ad andare oltre ogni polemica, permettendo all’attore americano e al regista di cavalcare assieme alle Valchirie alate della mitologia nordica sopra un successo di pubblico già annunciato.

Alessio Trerotoli

Uscita del film in Italia: 30/01/2009

Regia: Bryan Singer
Con : Tom Cruise, Kenneth Branagh, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Carice van Houten
Nazionalità: U.S.A., Germania
Durata: 120'
Anno: 2008
Genere: Drammatico, Storico, Thriller

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Io parto... e poi...un lavoro me lo invento!

2009-01-25T11:08:00.000-08:00

Recensione:

TEATRO DE' SERVI
"IO PARTO... E POI... UN LAVORO ME LO INVENTO!"
DAL 6 AL 25 GENNAIO 2009

In un’ambientazione moderna e condivisa da molti giovani della nostra generazione, si sviluppa per scene parallele la storia dello sceneggiatore e regista Luca Monti, che mette in scena mini-storie di sconosciuti la cui vita è destinata ad intrecciarsi. Quello che accomuna i quattro ragazzi è infatti la (vana) ricerca di un lavoro stabile, di una storia sentimentale che li soddisfi, di una sicurezza che permetta loro di vivere serenamente; i personaggi sono però alle prese con due attori-jolly (i bravi Alessandro Prete e Cristiana Vaccaro), che mano a mano ricoprono ruoli diversi, contribuendo ad esasperare sempre di più i giovani fino alla decisione di ricominciare tutto: il luogo della loro rinascita sarà il Sud, terra vergine e ancora estranea ai ritmi logoranti delle città affollate, in cui ritrovare un equilibrio ormai perduto. Dopo un primo momento di crisi, i ragazzi incontrandosi riescono nel Salento a ricostruire loro stessi, mettendosi perfino insieme in affari per l’apertura di un locale, il Terra Rossa.
Il susseguirsi incalzante nella prima parte della rappresentazione di piccole scene, con questo scambio di ruoli tra gli stessi attori, cede il passo nella seconda ad un ritmo più disteso, giustificato in parte dal cambiamento di ambiente e di vita dei giovani, ma che risente della volontà dell’autore di far cadere i suoi eroi ancora in tentazione, prima dello scioglimento finale. E questa tentazione non può essere che il ripresentarsi dei ritmi pressanti, della sensazione di soffocamento, dei fantasmi del passato, mai dileguati del tutto.
Il finale, con il recupero della serenità e dell’amicizia tra i soci, se pur perdendo qualcosa rispetto alla realisticità iniziale, fa pensare al Terra Rossa come alla meta simbolica cui tutti dovremmo aspirare nel nostro cammino di affermazione personale e lavorativa.
Da apprezzare, oltre all’originale scenografia costituita esclusivamente da cubi bianchi e neri, su cui la fantasia degli spettatori lavora per far emergere gli oggetti via via evocati dai personaggi, è la presenza quasi sempre simultanea degli attori in scena, immobili nei momenti di non recitazione.

Laura Ariemma

Beverly Hills Chihuahua

2009-01-17T06:24:00.000-08:00

BEVERLY HILLS CHIHUAHUAdi Raja Gosnell

Acclamato dai bambini e gradito dai più grandi, una commedia canina esilarante e innovativa che trova una viziata chihuahua di Beverly Hills alle prese con la vita reale che le farà scoprire le sue origini.
L’amorevole e ricchissima Vivian (Jamie Lee Curtis), proprietaria della piccola e capricciosa Chihuahua di nome Chloe (voce originale di Drew Barrymore), deve partire per un viaggio di lavoro in Italia e lascia alla nipote Rachel (Piper Parabo, voce italiana di Myriam Catania) la sua amata cagnolina, compresa una pienissima agenda giornaliera.
I difficili impegni tra parrucchiere e pomeriggi con gli amici canini di Chloe e il sicuro e testardo carattere di Rachel, rendono difficile la convivenza tra le due abitanti della lussuosissima villa; finché un giorno partendo per il Messico per un weekend organizzato all’ultimo minuto, tutto cambierà.
A causa dell’irresponsabilità della dog-sitter e della presunzione della chiara chihuahua, le due si allontanano, iniziando così un avventura che porterà Chloe ad affrontare mille sfide, incontrando nuovi amici, soprattutto il coraggioso e leale pastore tedesco Delgado (voce originale di Andy Garcia), e a scoprire le vere origini di un cagnolino così piccolo che in realtà ha solo bisogno di trovare la forza interiore per diventare grande.
Anche Rachel cambierà le sue idee ostinate nel corso dell’avventura e diventerà più umile, grazie all’affascinante “giardiniere” Sam (Manolo Cardona, voce italiana di Luca Argentero) che la aiuterà, con il suo macho e fidato chihuahua Papi, decisamente il più attivo e romantico di tutto il film, nella entusiasmante ricerca della preziosa Chloe.
Le splendide location, soprattutto quelle messicane di Puerto Vallarta, Guadalajara a Jalisco e la magica Città del Messico, i ricchi ma probabilmente scomodissimi vestitini fashion per cani e l’insuperabile perfezione degli effetti visivi di M.J. Mcalister, rendono questo film meno banale e semplicistico di quanto si possa immaginare, dimostrando un attento lavoro del numeroso cast e una giusta sensibilità verso la razza canina.
Tutto si risolverà con un finale alla Disney, positivo e buonista, con la vittoria della giustizia, il trionfo dell’amore e un immancabile morale che strapperà un sorriso anche ai più scettici.

Uscita del film in Italia: 16/01/2009

Regia: Raja Gosnell
Con : Piper Perabo, Manolo Cardona, Jamie Lee Curtis
Nazionalità: U.S.A.
Durata: 91'
Anno: 2008
Genere: Commedia

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FOTO BACKSTAGE SPOT

2009-01-14T14:26:00.001-08:00

Foto backstage spot
"Una generazione avanti. Insieme"

Backstage spot di Simone Saponieri

foto di Claudia Antignani

UNA GENERAZIONE AVANTI. INSIEME

2009-01-14T13:47:00.000-08:00

SPOT PER LA REGIA DI
SIMONE SAPONIERI
PER IL CONCORSO
"UNA GENERAZIONE AVANTI"
DI ROMAEUROPA WEBFACTORY
Una generazione avanti. Insieme.
by simoredreams

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VALZER CON BASHIR

2009-01-12T07:59:00.000-08:00

VALZER CON BASHIRWaltz With Bashir
di Ari Folman

Un branco di cani rabbiosi corre forsennato su strade bagnate di pioggia: i denti serrati, lo sguardo famelico. Il loro incedere poco rassicurante si conclude alcuni minuti dopo sotto la finestra di un uomo, improvvisamente assediato da ventisei cani e dal loro latrato feroce.
La potenza dell’incipit è tale che permette immediatamente di realizzare che “Valzer con Bashir” sarà un grande film, merito anche della tecnica d’animazione originalissima e di grande impatto visivo: l’intero film infatti è animato digitalmente attraverso una combinazione tra Flash, animazione tradizionale e 3D, una scelta che conferisce all’intera opera un alone surreale ma allo stesso tempo efficace e totalmente credibile. Il cinema d’animazione è sempre accompagnato dall’idea di finzione, un qualcosa di non reale, ma quello realizzato da Ari Folman, acclamato cineasta israeliano, è tutt’altro che cinema di finzione: “Valzer con Bashir” è un vero e proprio documentario (anche se d’animazione), dove testimonianze e interviste si alternano ad inserti di un passato fin troppo reale, veri e propri flashback della mente.
In un bar un uomo racconta al regista Ari Folman, suo vecchio amico, un sogno ricorrente dove l’uomo stesso è braccato da un branco di cani (la scena sopracitata). I due arrivano ben presto a capire che l’incubo è legato alla loro esperienza nell’esercito israeliano, per il quale hanno combattuto durante la prima guerra in Libano negli anni 80. Folman però si rende immediatamente conto di non avere più alcun ricordo legato alla guerra, tutto ciò che riguarda il suo passato nell’esercito è sparito, non esiste più nella sua memoria. Sorpreso da questa incredibile realtà, il regista decide di rivedere e intervistare i vecchi amici e i commilitoni del suo gruppo, per mettere luce sul trauma che la sua memoria sta nascondendo. Ogni testimonianza contribuirà a ricostruire il passato di Folman, descrivendo le atroci assurdità della guerra, raramente apparsa tanto reale, a dispetto di tanti film di genere bellico.
Una tecnica d’animazione efficace, una colonna sonora da non sottovalutare, una storia vera e assurda, come vere e assurde sono purtroppo tutte le cronache di guerra: novanta minuti senza pause di intensità per arrivare al massacro di Sabra e Shatila, in cui nel 1982 la milizia cristiana falangista, sotto gli occhi increduli dei soldati israeliani, sterminò migliaia di rifugiati palestinesi alla periferia di Beirut, in Libano, non risparmiando nessuno dei civili (atroci le immagini dei bambini assassinati). “Valzer con Bashir” racconta la guerra attraverso gli occhi di semplici soldati, dove non c’è spazio per l’eroismo e per la gloria, ma dove c’è soltanto dolore e paura. Un documentario dove la realtà è dietro ogni animazione, e dove la sensibilità della macchina da presa è celata dietro la memoria del regista, straziata dal riaffiorare dei fantasmi del proprio passato. Un piccolo grande gioiello di cinema e verità.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 9 gennaio 2008

Regia: Ari Folman
Con : Ron Ben-Yishai, Ronny Dayag, Ari Folman, Dror Harazi, Yehezkel Lazarov
Nazionalità: Israele, Germania, Francia
Durata: 87'
Anno: 2008
Genere: Drammatico

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TITANY

2009-01-08T07:10:00.000-08:00

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DANIELE STARNONI
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UNIVERSYTV

Prove aperte del Macbeth di Gabriele Lavia

2009-01-05T05:59:00.000-08:00

Ho avuto l'onore di poter assistere alle prove del Macbeth della Compagnia Lavia-Anagni che debbutterà giorno 9 c.m. al Teatro Verdi di Pisa e che arriverà a Roma al teatro Argentina dal 15 al 29 aprile. In realtà le prove sono aperte a tutti, chiunque può sedersi sulle comode poltroncine del teatro pisano (dove la compagnia prova dall' 11 di dicembre) e godersi lo spettacolo o meglio quello che c'è dietro lo spettacolo. Consiglio a tutti un'esperienza simile, soprattutto a chi aspira a lavorare nel campo. Vedere la grande macchina dello spettacolo, quella delle grandi produzioni, muoversi è assai entusiasmante. Capisci, solo quando guardi coi tuoi occhi, quanta gente lavora dietro le quinte, quanti diversi ruoli ci sono e quanto è difficile coordinare il gruppo. Eppure nonostante tutto anche qui si respira aria di "famiglia".
Gli attori sono lì che scherzano e chiacchierano, sono spesso i meno disciplinati ma tanto goliardici. Sono un gruppo unico, smorzano il tono quando l'atmosfera è tesa, ti sfidano in sciocche gare e poi litigano per stupidagini. Sulle tavole di legno si incontrano uomini e donne di diverse paesi e scuole, si stringono amicizie, ognuno cerca di far spiccare il suo talento, questa è una grande occasione, ma nello stesso tempo l'uno sostiene l'altro come può, vedi le tre donne del gruppo: Giorgia Sinicorni, Chiara Degani, Giulia Galiani o come le chiama Lavia: Giorgina, Chiarina e Giulietta (che sono: streghe, sicari, vecchie e cameriere tutto insieme) che nel difficile momento delle prime prove, dove l'impatto col regista è assai forte, dove si pretende da loro di capire la strada che si sta per imboccare e cambiare anche se stesse e il loro modo di lavorare, si fanno forza l'un l'altra.
Poi ci sono i tecnici, grandi pilastri dello spettacolo, sempre pronti a rispondere alle mille esigenze del caso, durante la prova Lavia chiama i loro nomi (Riccardone-tecnico audio-Riccardo Benassi, Pietrone-Tecnico Luci-Pietro Sperduti, Andrea-Costumista-Andrea Viotti, Lucianone-Macchinista-Luciano Cozzi, Sandrone-Scenografo-Alessandro Camera) e da lontano si sente la loro voce che risponde: "Si Gabriele...". Sono le persone più stimate, vengono interpellate anche per pareri artistici e il loro "si è bello" o "no, meglio com'era prima" può anche variare le sorti dello spettacolo finale.
Sparsi un po' lì, un po' qui si possono trovare gli assistenti, pronti a tutto, nel vero senso della parola, le tragedie sono dietro l'angolo, anzi, in scena. Spesso le cose non vanno come dovrebbero e sono loro che prendono le colpe maggiori, non perché siano pessimi ma per la dura legge di questo mondo sono chiamati ad immolarsi per la causa. Troviamo Francesca (Cannone) accanto al tavolo di regia, lei ha più esperienza con Lavia e compagnia "bella", dietro le quinte c'è Chiara (Macinai) che si occupa dell'attrezzeria e in eterna guerra con quelle maledette lettere o con quel affollatissimo attaccapanni (se andrete a vedere lo spettacolo capirete). In prima fila c'è Alessandra (Evangelisti) che in realtà molto tempo ferma non ci resta "Serve il cotone. Chi va a comprarlo?" questo e tanto altro sono di sua competenza. Sotto il palco, anche se dovrebbe essere nella buca, c'è Manuele (Guarnacci) il suggeritore, il ruolo peggiore, sempre lì pronto a dare le battute, tutt'uno col testo, poco può godersi lo spettacolo, anzi, può beccarsi l'ira degli attori se commette un fallo in entrata o un qualsiasi altro errore. Ma tutti son lì che chiedono scusa a lui se si sbaglia e si tradisce il testo, quasi come se il suggeritore, in questo caso, rappresentasse Shakespeare in persona, quale onore. Infine può capitare di incontrare un simil clone di Gabriele Lavia. A Michele (Lisi) è stato dato il compito di impersonare Macbeth quando il maestro ha bisogno di avere un'idea globale della scena,è il così detto "doppio", deve memorizzare e rifare a comando i movimenti in scena.
All'appello poi mancano: Mariano Anagni, il produttore, l'assistente scenografa Daria Villani, l'assistente costumista Lucrezia Farinella (che a causa della nostra omonimia parecchie gaffe si sono fatte) e tutta la sartoria e come non ricordare Gaia, sostenitrice e spettatrice fedele di tutta le giornate di prove, sempre pronta con la sua telecamerina "bellina" e i suoi 50 giga di materiale archiviato.
E infine Gabriele Lavia, che il sol nome mette a disagio. Qualche curiosità su di lui? Vediamo... beve cappuccini durante le prove, ha 66 anni (anche se lui già dice 67) ed è ancora in grado di saltare da un metro e mezzo d'altezza, che dà vezzeggiativi a chi lavora con lui già ve l'ho accennato.
Sono entrata in teatro il primo giorno con un'idea ben precisa di lui, assai soggettiva a dire il vero, ma comunque mia. Dopo sette ore lì dentro pensavo di avere le risposte a tutto. Il suo modo di lavorare, le pretese tecniche recitative, le sue idee personalissime sono entrate a contatto con le mie, ne è venuto fuori un bel pasticcio ma fertile, su cui forse ho già piantato un seme. Niente pause inutili, attraversare le parole, dire le battute all'attore che ci sta difronte per poterlo far vivere. Il tono mai a calare, la voce sporca, la naturalezza e mai l'artificiosità. Quest'interpretazione del Macbeth qualche volta anche comica, decontestualizzata storicamente, con tagli e salti nel testo, tutto mi è servito. Non sono d'accordo con tutte le scelte fatte, a volte ho trovato il modo di fare di Lavia troppo maschilista, la visione del suo Macbeth non è per nulla corale ma individualista, ma sono scelte di regia e allo spettatore va la sentenza finale. Un sorriso, però, mi è scappato, quando ho visto davanti a me il gruppo degli attori al completo, in scena, in un momento di pausa, tutti adunati intorno a lui, attenti ad ascoltare le sue parole che raccontavano di esperienze passate, con aneddoti anche divertenti. Da ogni persona di questo mondo c'è d'apprendere, Lavia rappresenta un quarantennio del nostro teatro e anche se non si è d'accordo con lui, si trova sempre qualcosa da imparare.
Vorrei solamente aggiungere il mio personalissimo plauso a Giovanna Di Rauso (Lady Macbeth) e alla sua grande resistenza. A volte le prove dei suoi monologhi erano interminabili, Lavia è un regista molto esigente, lei come coprotagonista, ovviamente, ha una responsabilità più grande e quindi più lavoro da affrontare. Sono rimasta spiazzata dalla sua grande resistenza e forza d'animo, sempre pronta a provare e riprovare senza mai cedere ad una crisi di nervi. Dalla mia poltroncina cercavo goffamente di sostenerla, solidarietà femminile, volevo quasi pregare per lei, perchè non crollasse.
Giorno dopo giorno, mi sono sentita anch'io parte del gruppo, anche se ero ferma immobile in quella seconda fila della parte sinistra della platea del teatro Verdi di Pisa. Porto a casa tutto, l'ho chiuso in un sacco e di tanto in tanto, quando ne ho bisogno, lo riapro e vedo se trovo qualcosa che può servirmi. Adesso ci do l'ultima sbirciatina e poi lo richiudo... ma cosa c'è sul fondo... "c'è una macchia", oddio che puzza. Oh no è la torba!!! (quando vedrete lo spettacolo capirete)

Lucrezia Lanza

IL BAMBINO CON IL PIGIAMA A RIGHE

2008-12-28T15:10:00.000-08:00

IL BAMBINO CON IL PIGIAMA A RIGHE

The Boy in the Striped Pyjamas
di Mark Herman

Chi trova un amico trova un tesoro

Un tema come la Shoah è sempre delicato da trattare, in più infilare all’interno di questa cornice una storia immaginata è compito non semplice, soprattutto se legata al tema dell’infanzia. Il cinema continua per fortuna a proporre film ambientati durante la Seconda Guerra Mondiale: ogni opera che aiuti a ricordare (ricordare nel senso di “non dimenticare”) tutto il dolore procurato e il male perpetrato dalle persecuzioni razziali è un qualcosa di giusto e necessario, educativo ed istruttivo. In quest’ottica “Il bambino con il pigiama a righe” si dimostra un lavoro originale e interessante, che richiama lontani echi di Fred Uhlman, con un’ingenuità favolistica a metà strada tra il fauno di Del Toro e la vita bella di Benigni. Scomodare fonti così prestigiose è utile ad inserire il film di Mark Herman nel contesto cinematografico degli ultimi decenni, così come il libro omonimo (di John Boyne) da cui è tratto il film nel contesto tematico e letterario al quale fa indiscutibilmente riferimento.
Il piccolo Bruno, figlio di un ufficiale nazista, si trasferisce a malincuore da Berlino, dove ha molti amici, in una casa di campagna, desolata e senza nessuno con cui giocare. Dalla finestra della sua nuova casa scopre però la presenza in lontananza di una strana fattoria (in realtà il campo di sterminio diretto da suo padre), dove i “contadini” indossano tutti un pigiama a righe. Spinto dalla curiosità e noncurante dei divieti impostigli dai genitori, Bruno si avventura verso questo luogo particolare, incontrando al di là di una recinzione spinata il coetaneo Shmuel. Il bambino dal pigiama a righe, costretto alla prigionia perché ebreo, trova subito l’intesa con Bruno, dando vita ad una bella amicizia fatta di curiosità, di domande e di tenera genuinità, sempre divisa da una recinzione che incute terrore.
La contraddizione dell’amicizia tra il figlio di un soldato nazista e un bambino ebreo è il tema portante del film, toccante per il modo in cui racconta la persecuzione razziale attraverso gli occhi ingenui di un bambino. Bruno, nonostante il tentativo di lavaggio del cervello ad opera del suo tutore che tenta di indottrinare il giovane agli ideali del nazismo, riesce sempre ad andare oltre quello che trova scritto sui libri, utilizzando i suoi occhi e le sue esperienze come unico metro di giudizio nei confronti delle persone che ha davanti (il factotum ebreo Pavel, il piccolo Shmuel, ma anche il tenente nazista Kotler fino a mettere in dubbio la moralità del suo stesso padre). Il tutto verso un finale che spiazza totalmente lo spettatore, testimone impotente di fronte alle nefandezze che porteranno ad una tragedia inaspettata. Un film a tratti lento e un po’ prevedibile, non proprio riuscito, salvato però da un finale dal grande impatto emotivo che lascia spazio alla riflessione.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 19 dicembre 2008

Regia: Mark Herman
Con : Asa Butterfield, Zac Mattoon O'Brien, Domonkos Németh, Henry Kingsmill, Vera Farmiga
Nazionalità: Usa
Durata: 93'
Anno: 2008
Genere: Drammatico

GUARDA IL TRAILER

UniversyTv a "La Storia Siamo Noi"

2008-12-27T04:48:00.000-08:00

Trovate tutta la puntata su youtube, ecco i link:
1 - http://www.youtube.com/watch?v=HAAvIQbTpqA
2 - http://www.youtube.com/watch?v=9yozhOW6OTA
3 - http://www.youtube.com/watch?v=tHQ9HApaQd8
4 - http://www.youtube.com/watch?v=eCF1S4s0k3Y
5 - http://www.youtube.com/watch?v=UggqoAmdEYE

Auguri

2008-12-25T01:50:00.000-08:00

UniversyTv

Augura a tutti

Buon Natale

UNA VISITA MOLTO PRIVATA

2008-12-23T15:33:00.000-08:00

Recensione:

PALAZZO BRASCHI
"UNA VISITA MOLTO PRIVATA”
ideazione e regia: ROBERTO MARAFANTE
Dal 17 al 30 dicembre 2008

Palazzo Braschi in queste sere invernali accoglie il pubblico incuriosito nella Roma della Carboneria e della famiglia Braschi, protagonista di un intrigo e di una storia d’amore.
Il patrimonio contenuto all’interno, a partire dalla monumentale scalinata progettata da Valadier, scorre sotto gli occhi dei visitatori: i numerosi ritratti dei membri della famiglia Braschi, le stampe e le incisioni antiche, opere provenienti dagli atelier degli artisti maggiori dell’epoca, sono offerti con la cornice di una spettacolare veduta di piazza Navona illuminata dalle luci natalizie.
Un percorso a volte rocambolesco tra le numerose opere d’arte si svolge sotto la guida premurosa della contessa Caracci (Patrizia La Fonte), che si preoccupa di mettere a proprio agio gli invitati a palazzo, mentre a tratti il servitore Lorenzo (Sebastiano Colla) rende partecipi gli astanti del clima e dei sentimenti popolari nei confronti di una nobiltà ormai in decadenza. Le opere esposte sono testimonianze di uno splendore che tuttavia cede il passo alla Storia: infatti nello stesso palazzo, fatto costruire da papa Pio VI Braschi, trova rifugio sicuro un carbonaro fuggito da Castel Sant’Angelo che riceve protezione dalla nipote del padrone di casa.
L’innovativa idea di rappresentazione scenica all’interno di un percorso museale è messa in pratica con perizia dai bravi attori, sotto la regia di Roberto Marafante; gli spettatori, ospiti del Duca, sono resi complici del segreto amoroso, ma a volte distolti dal godimento delle opere esposte. Nonostante ciò, la ricreazione degli umori e del clima italiano nell’Italia napoleonica e l’indubbio fascino esercitato da un palazzo tanto carico di significato storico e politico rendono questa visita piacevole e coinvolgente.

Laura Ariemma

altre informazioni sullo spettacolo

COME DIO COMANDA

2008-12-20T06:28:00.000-08:00

COME DIO COMANDA di Gabriele Salvatores

Nel nome del padre

Il sodalizio tra lo scrittore Niccolò Ammaniti e il regista Gabriele Salvatores si rinnova nel contrappunto ideale del bellissimo “Io non ho paura”: se nel film del 2003 i rapporti tra un padre e un figlio erano indagati nelle atmosfere calde e assolate della Basilicata, immerse tra bugie e campi di grano, in “Come Dio comanda” quello tra i protagonisti è un rapporto fatto di brutali verità bagnate dalla fitta pioggia del nord Italia, una pioggia che non purifica, ma che condanna, sotto la fredda luce di una torcia elettrica e il cielo plumbeo che non lascia spiragli di redenzione. Shakespeare guarda dall’alto personaggi che sembrano ispirati dalla sua penna: ma chi muove i fili di questi re, principini e matti che si muovono nel fango di strade sporche come certe coscienze? Un Dio assente, il corso delle cose o il delicato equilibrio tra odio e amore?
In una fredda città del nordest italiano il precario lavoratore Rino Zena (Filippo Timi), razzista e intollerante a tempo pieno, educa il figlio Cristiano ai valori dell’odio e della violenza, con tutto l’amore di un padre che cerca di far calcare i propri passi al suo ragazzo, anche se si tratta di passi che portano sulla strada sbagliata. L’unico amico di Zena è il disturbato Quattro Formaggi (Elio Germano), un ragazzo rimasto segnato da un incidente sul lavoro, che sembra innocuo e innocente fino a quando il battito animale del desiderio non lo porta a commettere la violenza più terribile. Il tutto sotto una pioggia battente che non lava i peccati dei personaggi, non cancellandone le svastiche dai muri né il sangue dai volti.
Tecnicamente è un film impeccabile, Salvatores dirige con la solita maestria gli eccellenti Filippo Timi ed Elio Germano (il quale si dimostra ancora una volta un attore completo e versatile), e un acerbo ma comunque encomiabile Alvaro Caleca. Ammaniti, anche autore della sceneggiatura, ha dovuto rinunciare ad essere fedele al suo libro, tagliando personaggi e situazioni per dar vita ad un qualcosa di diverso ma allo stesso tempo funzionale: a caldo l’impressione è che al film possa mancare qualcosa che lo completi, ma nel momento di adeguare le sensazioni all’atmosfera soffusa della pellicola ci si rende conto appieno della forza dei suoi personaggi e di come il rapporto tra la coerente cattiveria di un padre e l’innocente venerazione di un figlio venga affrontato con una sensibilità che non giudica nessuno, che è lì solo per osservare e constatare, lasciando allo spettatore la libertà di capire cosa è giusto e cosa è sbagliato. Un film maturo e interessante, impulsivo come il suo trio di protagonisti, dove la fiamma dell’odio e dell’amore brucia, nonostante la pioggia.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 12 dicembre 2008

Regia: Gabriele Salvatores
Con : Elio Germano, Filippo Timi, Fabio De Luigi, Angelica Leo, Vasco Mirandola, Ludovica Di Rocco, Alvaro Caleca, Alessandro Bressanello
Nazionalità: Italia
Durata: 103'
Anno: 2008
Genere: Drammatico

THE MILLIONAIRE

2008-12-10T10:37:00.000-08:00

THE MILLIONAIRE di Danny Boyle

Sembra incredibile, ma questo film è la prova di come si possa realizzare un film sull’amore, sul disagio giovanile, sulla povertà, sulla voglia di sognare, sulla famiglia, sulla vita di tre persone, mettendo alla base di tutto la partecipazione a un quiz televisivo. Danny Boyle realizza la sua opera più matura, insinuando il dubbio che abbia diretto un film forse addirittura migliore del suo cult “Trainspotting”, nonostante si tratti di pellicole profondamente differenti tra loro. Fatto sta che “The Millionaire” è un film impeccabile, magnifico nella messa in scena: Boyle è magistrale nel catturare il meglio delle atmosfere di Bollywood, inserendo la giusta dose della sua esperienza occidentale e tirando fuori un prodotto di qualità ma allo stesso tempo adatto a sbancare i botteghini di tutto il mondo.
Jamal, un giovane cresciuto nelle baraccopoli di Mumbai, è arrivato alla domanda finale del quiz televisivo più famoso di tutta l’India: “Chi vuol essere milionario?”. Ma come ha fatto a rispondere esattamente ad ogni domanda ed arrivare fino al punto di poter vincere 20 milioni di rupie? Forse ha barato, come pensa il conduttore del programma e la polizia indiana, oppure è semplicemente fortunato? Potrebbe essere un genio, come pensano gli spettatori, o probabilmente era destino. Alla vigilia della trasmissione in cui dovrà rispondere all’ultima domanda, Jamal viene sequestrato dalla polizia e interrogato sulla questione. Il ragazzo sarà costretto a spiegare ogni risposta data fino a quel momento, e da ogni risposta uscirà fuori la sua storia: l’infanzia negli slum, la morte della madre, la fuga con il fratello e, punto fondamentale, l’amore per Latika.
La vita è una scuola, imparare dall’esperienza di tutti i giorni è il modo migliore per affrontare il presente, e Jamal mette in pratica questo dogma portando la sua semplicità e la sua bontà alla ribalta nazionale, nonostante l’ostilità di un conduttore egocentrico, anche lui proveniente dalla strada, che sente il pericolo di essere messo in ombra dal “ragazzo del tè”. La meravigliosa Mumbai si dimostra la scenografia ideale sulla quale si muovono le vite di Jamal, di suo fratello Salim e dell’amata Latika: i colori della città, il confine labile tra i suoi estremi di povertà e di ricchezza, di onestà e di criminalità, di bontà e di cattiveria, la forte presenza di un commento musicale perfetto; il tutto sotto lo sguardo esperto del britannico Danny Boyle, capace di ibridare un melodramma tipicamente bollywoodiano con i ritmi serrati e le scene d’azione alle quali ci ha abituato il cinema occidentale. Una vera meraviglia per gli occhi e per il cuore.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 5 dicembre 2008

Regia: Danny Boyle
Con : Anil Kapoor - Dev Patel - Mia Drake
Nazionalità: Inghilterra
Durata: 120'
Anno: 2008
Genere: Inghilterra

GUARDA IL TRAILER

IL GABBIANO

2008-12-09T04:14:00.000-08:00

Recensione:

TEATRO ELISEO
"IL GABBIANO"
regia di Marco Bernardi
Dal 2 al 14 dicembre 2008

Teatro Stabile di Bolzano presenta all'Eliseo "Il Gabbiano", celebre testo di Anton Cechov del 1895 passato alla storia per il grande flop della prima messa in scena pietroburghese e per il grande trionfo della seconda versione, moscovita, che vide alla regia Konstantin Stanislavskij. La critica teatrale ritiene che il merito del successo di Cechov drammaturgo sia proprio del regista russo, il primo a mettere in evidenza la comicità dell'autore e a cancellare l'aura grigia con cui i contemporanei lo dipingevano.
In questo spettacolo, per la regia di Marco Bernardi, la comicità c'è, si presenta al momento giusto, smorza l'andamento tragico dei fatti e dà la possibilità di comprendere appieno le tematiche, di grande valore, contenute nel testo.
I personaggi sono veri, autentici, virtuosi e viziosi, reali, grazie anche all'interpretazione degli attori. Certo qualcuno spicca su gli altri, a mio modesto avviso, cito due su tutti: Carlo Simoni, eccezionale, già dalla prima battuta ha avuto tutto il pubblico in pugno, infine "Paolina" moglie dell'amministratore della tenuta di Sorin, Samraev, che si è presentata timidamente (data la parte) ma che ha catturato la mia attenzione per sinuosità ed eleganza.
Lo spettacolo, che sfiora le 3 ore di durata, non si presenta assolutamente pesante, scorre e neanche i forti temi trattati, come: i conflitti generazionali, l'amore impossibile, la morte, l'odio, la gelosia e tanto altro ancora, riescono ad appesantire lo spettacolo, che permette una visione soggettiva ed oggettiva allo stesso tempo degli eventi rappresentati.
Le ultime parole di questo breve testo (parlo del mio) sono tutte per lo scrittore, si Cechov, ma anche i tanti scrittori del dramma: Trigorin e Konstantin per esempio. Durante lo spettacolo mi chiedevo chi di loro rappresentasse Cechov, chi fosse a sua immagine e somiglianza (ipotizzando che ci sia un'influenza autobiografica) quali i motivi che lo spingevano a scrivere, quali le sue preoccupazioni?
Poi il sipario si è chiuso e alle mie domande, forse, ci sarà risposta, ma ringrazio chi me ispirate. Grazie.

Lucrezia Lanza

altre informazioni sullo spettacolo

MAX PAYNE

2008-12-06T08:36:00.000-08:00

MAX PAYNEdi John Moore

Ancora cinema e videogames

Hollywood negli anni 2000 ha dimostrato che, quando le idee originali mancano, tutto fa brodo: la tendenza dell’ultimo decennio ha fatto sì che venissero prodotti in buona parte remake (non solo di film del passato, ma anche di pellicole recenti: vedi gli horror asiatici), soggetti tratti da serie televisive di successo, e soprattutto film tratti da videogiochi, per attirare a sé quella gran fetta di pubblico rappresentata dagli adolescenti, i frequentatori più assidui dei multisala. Da questo punto di vista “Max Payne”, tratto da un videogame di grande successo (il più venduto in Italia nel 2001), si dimostra un prodotto commerciale di sicuro affidamento, con il suo protagonista dall’alone misterioso, oscuro e maledetto, e quelle atmosfere noir che il cinema ormai sfrutta fino alla nausea.
Max Payne (Mark Wahlberg) è un poliziotto asociale e del tutto anticonformista: la sua ossessione è la vendetta nei confronti di coloro che hanno assassinato sua moglie e sua figlia. Ogni giorno Payne cerca di portare avanti le sue indagini, ma non riesce a trovare nessuna risposta, finché degli strani omicidi sembrano avere un collegamento con il “suo” caso. Per Max Payne comincerà un viaggio tra i meandri della città e i piani alti di una società farmaceutica, inseguendo le tracce di una misteriosa droga, la “Valchiria”.
Il regista John Moore, prima di film come “Behind Enemy Lines” e il remake di “Omen”, si è fatto le ossa nel mondo della pubblicità, e si vede: il film ha un ritmo da spot televisivo, a tratti serrato, e una fotografia curata ma eccessivamente falsa, ricoperta da una patina noir che anziché rendere l’atmosfera più cupa e angosciante dà l’impressione di trovarci di fronte a un qualcosa di eccessivamente forzato, poco credibile (da questo punto di vista l’atmosfera del videogame è pienamente ricreata: se l’effetto è voluto allora può dirsi ben riuscito). I fan del videogioco tuttavia non resteranno delusi dai virtuosismi di Moore: persino l’effetto bullet-time in slow motion, una delle caratteristiche del gioco, è stato ricreato in modo impeccabile nelle scene più adrenaliniche. In tutto ciò Mark Wahlberg sembra essere il volto giusto per il film, la mascella dura e lo sguardo triste e rabbioso conferiscono profondità al suo antieroe, ben supportato da Mila Kunis, famosa negli States come la voce di Meg nella fortunata serie de “I Griffin”. “Max Payne” si dimostra dunque un prodotto di sicuro successo per quel che concerne il suo target di riferimento, l’altra faccia della medaglia però non è così sorridente: chi non ama il genere si potrebbe ritrovare a combattere contro i fantasmi della noia.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 28 novembre 2008

Regia: John Moore
Con : Mark Wahlberg, Mila Kunis, Beau Bridges, Donal Logue, Ludacris
Nazionalità: Usa
Durata: 100'
Anno: 2008
Genere: Azione

GUARDA IL TRAIELER

SOLO UN PADRE

2008-12-06T06:59:00.000-08:00

SOLO UN PADREdi Luca Lucini

Uno scapolo e un bebè

Non capita spesso di vedere un film italiano tratto da un romanzo straniero: adattare una storia ambientata dall’altra parte del mondo alla realtà italiana ha i suoi rischi e i suoi pericoli, è una sfida con la quale non tutti si cimenterebbero, ma che il regista Luca Lucini ha raccolto senza paura, riuscendo nel complesso a uscirne a testa alta. “Solo un padre” è infatti tratto da un romanzo dell’australiano Nick Earls, “Perfect Skin” (in Italia pubblicato con il titolo “Avventure semiserie di un ragazzo padre”), una storia che ha dato a Lucini l’opportunità di imprimere una svolta alla sua evoluzione artistica, dopo aver girato solo film generazionali( “Tre metri sopra il cielo”) e commedie (“L’uomo perfetto” e il recente “Amore, bugie e calcetto”). Con “Solo un padre” il regista si è messo finalmente alla prova con un film più maturo, dove l’equilibrio tra la commedia e il dramma è sottile e ben bilanciato.
Carlo (Luca Argentero), giovane e indipendente, è un ragazzo padre: la sua vita ruota attorno al lavoro e alla piccola Sofia, sua figlia, la bambina che si è ritrovato improvvisamente a dover crescere da solo. Nonostante l’affetto dei genitori e una cerchia di amici affidabili e adorabili, Carlo lotta tutti i giorni con le difficoltà di un ruolo che non si aspettava di dover affrontare da solo e per il quale continua a ripetersi di non essere ancora pronto, nonostante le attenzioni per la sua bambina sembrino dimostrare il contrario. L’incontro con una ragazza francese, Camille (Diane Fleri), sembra la ventata di freschezza e soprattutto di normalità di cui Carlo aveva assolutamente bisogno, ma dietro ad ogni sorriso sembra esserci un’ombra, e dietro ad ogni ombra sembra esserci un sorriso.
Una prima parte sicuramente riuscita e funzionale, dove i registri comici e i toni drammatici si mescolano senza risultare mai invadenti, fino a sfociare in un finale dove la chiave drammatica si ritrova a dominare gli eventi, dando alla pellicola un tocco di banalità che sembrava decisamente non appartenergli. Il risultato finale si può dire comunque positivo, merito anche del sorprendente Luca Argentero, piuttosto a suo agio in un personaggio complesso, e della bellissima Diane Fleri, francese di nascita e romana d’adozione, che ha regalato al film grazia, freschezza e la solarità di cui aveva bisogno. La quotidianità di un padre solo che non è “solo” un padre, le note dei REM (“Everybody Hurts”) e il dolce accento francese di Diane Fleri. Di che altro avete bisogno?

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 28 novembre 2008

Regia: Luca Lucini
Con : Luca Argentero, Diane Fleri, Fabio Troiano, Anna Foglietta, Sara D'amario
Nazionalità: Italia
Durata: 93'
Anno: 2008
Genere: Commedia

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UniversyTv su Rai3

2008-12-02T16:19:00.000-08:00

Giovedì 4 dicembre 2008
ore 08:15 su Rai3UniversyTv
a "LA STORIA SIAMO NOI"
non perdete l'appuntamento!!!

BOLT

2008-11-30T06:39:00.000-08:00

BOLTdi Chris Williams e Byron Howard

La Disney non sbaglia un colpo

C’era una volta Lassie, il primo grande eroe a quattro zampe al quale seguirono sul piccolo schermo Rin Tin Tin e il commissario Rex, per citare i più celebri. La Disney non fallisce il colpo, puntando su un bellissimo cane dal pelo bianco che ribalta in un certo senso la tradizione canina di cinema e serie tv: laddove una volta si ammiravano cani-eroi senza esitazioni e senza paura, stavolta ci troviamo di fronte ad un cane eroico “per finta”, costretto dunque a misurarsi con una realtà dove l’eroismo non gli è regalato dall’industria televisiva, ma deve essere ricercato nel profondo del suo essere, e dove imparerà a capire che i valori dell’amicizia e l’amore per gli altri sono i superpoteri più belli che si possano desiderare.
Per Bolt, cane bellissimo quanto intelligente, ogni giorno è una vera avventura: inseguimenti, missili, bombe, elicotteri, rapimenti e misteri. Grazie ai suoi superpoteri riesce a proteggere la sua amata padroncina Penny dai tentacoli dell’organizzazione capeggiata dal malefico uomo dall’occhio verde. Per Bolt questa è la quotidianità, ovvero una serie televisiva hollywoodiana di grande successo, di cui lui è il protagonista indiscusso, a sua insaputa: Bolt infatti crede veramente di vivere le avventure che vengono messe in scena davanti al suo muso, pensando al suo superlatrato come al più grande dei suoi poteri. Al termine di una nuova puntata però Bolt viene per sbaglio imballato e spedito a New York, dove le cose non sono più le stesse: lo sguardo incendiario non brucia più niente, il superlatrato è puro e semplice abbaiare, i morsi della fame e ferite che sanguinano sono una novità assoluta per lui. Il suo unico pensiero è tornare a Hollywood da Penny, e dovrà servirsi di due compagni di viaggio del tutto improbabili per riuscirci: la cinica gatta Mittens e il fanatico criceto Rhino. Nel frattempo capirà la sua vera natura, e si approprierà della bellezza delle cose semplici della vita.
La Disney punta alla grande su questo nuovo eroe, impegnandosi anche nella distribuzione del film nelle sale attrezzate per la visione in 3D, dimostrando di credere più di chiunque altro nel futuro e nello sviluppo di questo nuovo formato, che vedrà Bolt in 3D proiettato in 31 sale italiane.
Il cinema d’animazione dimostra di non essere più (se mai lo è stato) un genere solo per i più piccoli, confermandosi di volta in volta al passo coi tempi: in questo caso una sottile critica al cinismo del mondo cinematografico e televisivo, impersonato dall’agente di Penny e dai produttori della serie, senza lasciare da parte una morale che si dovrebbe tenere sempre bene a mente: i veri superpoteri a disposizione di tutti sono l’amore e l’amicizia, e la felicità è nella bellezza delle piccole cose.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 28 novembre 2008

di Chris Williams e Byron Howard
Durata: 96'
Nazionalità: USA
Anno: 2008
Genere: Animazione

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SHAKESPEARELOW

2008-11-29T08:10:00.000-08:00

Recensione:

TEATRO ELISEO
“SHAKESPEARELOW.
Bassi, balordi ignavi”
Lezione-spettacolo su brani di William Shakespeare
Testo e regia Giancarlo Sepe
Mercoledì 26 novembre 2008

In scena al teatro Eliseo fino al 19 dicembre, ShakespeareLow non è uno spettacolo su William Shakespeare o sui suoi testi, ma prendendo come riferimento il grande drammaturgo si avventura in un percorso più ampio che va al di là di un particolare periodo storico.
Fiumi di letteratura sono stati versati sulle grandi figure uscite dalla penna di Shakespeare: ma che dire delle veloci apparizioni, non per questo meno vive, di tanti personaggi indispensabili per la riuscita e spesso per l’esistenza stessa dei drammi? Con l’aiuto del capocomico Luca Biagini, tramite tra il pubblico e gli attori, con l’auspicio di rendere un “Servizio Sociale” si cerca di “scavare in fondo fino alle origini del dramma shakespeariano” proprio attraverso i personaggi minori, superfici riflettenti nelle quali non possiamo fare a meno di vedere noi stessi e i meccanismi che regolano i rapporti umani, verso una maggiore comprensione del teatro e della vita.
Dalla Londra bombardata durante la Seconda Guerra Mondiale, che rimane sul palcoscenico come sottofondo celato allo sguardo del pubblico dal sipario, risorge in un moltiplicarsi di voci la Londra elisabettiana dei teatri oltre il fiume; teatri in chiusura che, se pur per ragioni diverse, fanno pensare malinconicamente alla condizione attuale.
Gli attori si muovono in platea, parlando a se stessi, recitando contemporaneamente le loro parti più per il pubblico dell’immaginario teatro londinese che per gli spettatori in sala, i quali sono a loro volta nella scena e delimitano lo spazio di azione della compagnia.
Una scenografia essenziale, costituita a volte da riflessi di specchi; giochi di luce e di ombre creati dagli stessi attori, in continuo movimento o addirittura in corsa per la platea, alla ricerca del senso: ma il senso di cosa? Il senso dell’opera di Shakespeare, dei suoi personaggi e dell’uomo nascosto dietro ad essi; e naturalmente il senso del teatro, la sua funzione sociale, la sua capacità catartica in momenti di crisi sociale e non solo.
E di catarsi si può parlare anche per lo spettacolo di Giancarlo Sepe, che ci regala alcuni spunti di riflessione inseriti in una messa in scena travolgente, lasciando allo spettatore la sensazione di un sogno, movimentato ma molto piacevole, sull’indimenticabile Bardo.

Laura Ariemma

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THE ORPHANAGE

2008-11-21T01:50:00.000-08:00

THE ORPHANAGE

di Juan Antonio Bayona

La casa infestata sembra fortunatamente non passare mai di moda, soprattutto quando oltre ai fantasmi del passato ospita un cinema ben curato nei particolari come quello del regista esordiente Juan Antonio Bayona, pupillo di Guillermo Del Toro (che ha prodotto la pellicola), e cineasta emergente della cinematografia spagnola, una scuola di cinema che si sta specializzando sempre più nel genere fantasy-horror, attirando su di sé l’attenzione degli appassionati di cinema di tutto il mondo (per non parlare dei soldi di Hollywood). “The Orphanage” arriva in Italia forte di 7 premi Goya vinti e di ben 4 candidature agli European Film Awards, tra cui quella per il miglior film.
Laura, dopo un’infanzia felicissima trascorsa in un orfanotrofio in riva al mare, torna con marito e figlio adottivo in quella stessa casa con l’intento di realizzare un centro per bambini disabili. Il piccolo Simon, affascinato dalla nuova casa, comincia a fare amicizia con dei bambini (apparentemente) immaginari: il padre non sembra dar peso a queste fantomatiche amicizie, giustificando il tutto con la solitudine che è costretto ad affrontare il bambino, Laura invece sembra avvertire un leggero turbamento, il suo legame con il passato e con quella casa sembra comunicarle qualcosa. Quando Simon sparisce misteriosamente nel nulla, Laura sarà costretta ad indagare nel passato del suo orfanotrofio, scoprendo scheletri negli armadi e i segreti inconfessabili di quella che era la sua “isola che non c’è”.
Un horror che sembra attingere dai classici recenti del genere, pur offrendo spunti totalmente originali: se da un lato la casa e i fantasmi di Bayona sembrano essere in debito con il maniero di Amenabar (“The Others”) e la grande villa di Del Toro (“Il labirinto del Fauno”), dall’altro riesce a differenziarsi dai capisaldi fanta-horror della cinematografia spagnola inserendo la favola di Peter Pan riarrangiata e citata in chiave del tutto diversa. Una pellicola dove la paura non emerge da effetti sonori e visivi sparati a tutto spiano come in molti horror americani, ma dove il senso di smarrimento dei suoi personaggi e l’atmosfera malsana del luogo sono i principali motivi di turbamento. In Spagna si vive bene, il governo funziona, la nazionale di calcio è campione d’Europa, e ora si cominciano a produrre anche film di grande qualità: l’Europa è ai suoi piedi.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 14 novembre 2008

Regia: Juan Antonio Bayona
Con Belen Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Mabel Rivera, Montserrat Carulla, Andrés Gertrúdix, Edgar Vivar, Geraldine Chaplin
Durata: 100'
Nazionalità: Messico, Spagna
Anno: 2007
Genere: Horror

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UN GIORNO D'ESTATE

2008-11-15T05:33:00.000-08:00

Recensione:

TEATRO PICCOLO ELISEO
"UN GIORNO D'ESTATE" di Jon Fosse
diretto da Valerio Binasco
Dall'11 al 7 dicembre 2008

L’11 novembre alle ore 20.45 ha debuttato in prima nazionale al Piccolo Eliseo Patroni Griffi “Un giorno d’estate”, di Jon Fosse, diretto da Valerio Binasco, che ha completato così la trilogia dedicata all’autore norvegese, dopo “Qualcuno arriverà” e “E la notte canta”.
“Un giorno d’estate” racconta del tentativo di un amore di farsi assoluto, totalizzante, idillico, e del suo fallimento. Una coppia di amanti sceglie di lasciare la città e la vita sociale per andare ad abitare in una vecchia casa isolata affacciata su un fiordo. Tuttavia la solitudine non porterà ai due felicità, ma malinconia. Ed è proprio la malinconia il sentimento che emerge maggiormente dallo spettacolo. Una malinconia trattata con leggerezza, ed è proprio questo, afferma Valerio Binasco, uno dei motivi di fascino che lo hanno spinto a dedicarsi a Jon Fosse. Lo spettacolo, in fondo, non è che un gioco, un gioco che unisce passato e presente, giovinezza e vecchiaia, speranze e disillusioni. Ma in questa leggerezza, in questo gioco non fatica ad emergere la poesia di questo testo, che alterna abilmente silenzi a monologhi lunghi e veloci.
Scenografia minimalista: tre pareti bianche e quattro sedie. Quello che più importa è quello che c’è ma non si vede: la finestra, di fronte alla quale ci si ferma a guardare il mare, sentire le onde che pulsano, ascoltare la pioggia. Nell’attesa di un qualcosa che non avverrà.

Simone Saponieri

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RE LEAR

2008-11-15T04:56:00.000-08:00

Recensione:

TEATRO ELISEO
"RE LEAR" di William Shakespeare
con EROS PAGNI
Dall'11 al 30 novembre 2008

L’unidici novembre ha debuttato al teatro Eliseo di Roma il Re Lear con la regia di Marco Sciaccaluga. Lo spettacolo è una rilettura rigorosa del testo di Shakespeare dalla notevole durata.
Sciaccaluga sceglie di portare in scena il testo nella nuova traduzione di Edoardo Sanguineti (scrittore e critico tra i fondatori del gruppo 63 ) che svolge un interessante lavoro sul linguaggio. Lo scrittore rispetta infatti l’originale costruzione dell’opera fatta di prosa e di versi ma ne attualizza la lingua, ne risulta così un linguaggio particolarmente contemporaneo, un’operazione sicuramente di rischio e degna di nota.
La tragedia - sicuramente una tra le più apprezzate e rappresentate di Shakespeare - è scritta tra i primi anni del Seicento ed è tratta dalla leggenda di Leir, re di Britannia prima che questa diventasse parte dell’Impero Romano. Una storia primitiva, già nota prima che Shakespeare la riscrivesse.
Ed è proprio in questa dimensione arcaica che Sciaccaluga sembra voler inscrivere il suo spettacolo. Lo vediamo già dalle belle ed essenziali scene di Valeria Manari. Tutta l’azione si svolge in uno spazio semicircolare con un tetto: un po’ capanna, un po’ tempio, un po’ tendone da circo…che grazie ai cambi di scenografia avvenuti in scena assume di volta in volta la veste di un luogo diverso. Anche i costumi, sempre della Manari, si ispirano a civiltà antiche, kimono con evidenti richiami all’oriente.
Il regista si concentra soprattutto sulla “pazzia”, chiave è la figura del fool, fedele compagno di viaggio di Re Lear, probabilmente l’altra metà di se stesso. Il tradimento che porta alla follia e alla fine un messaggio privo di speranza.
Il regista ha voluto enfatizzare la dimensione delle emozioni primordiali ambientandole in questo mondo barbarico, primitivo, senza tempo e senza spazio, proprio perché sono passioni dell’umanità tutta, universali, come solo Shakespeare sa essere.
Ci troviamo davanti a un palcoscenico di freaks, circensi anche nell’aspetto, che sono poi rappresentanti dell’umanità: “quando nasciamo piangiamo perché ci troviamo in questo palcoscenico di fool”, dirà Re Lear.
Uno spettacolo dalle buone potenzialità, se non altro perchè parte da un testo grandioso, che però delude soprattutto dal punto di vista della recitazione: Eros Pagni, con un’impostazione molto classica che non rientra nelle dinamiche innovative del testo. Gli attori della Compagnia del Teatro Stabile di Genova, solo alcuni dei quali bravi, notevole l’interpretazione di Vito Saccinto nei panni del fool e quella di Gianluca Gobbi (Edgar).
Alla fine dello spettacolo rimane molto poco nel cuore dello spettatore, è tutto sopeso nell'aria e difficile da carpire. Questa è la nostra opinione ma siamo curiosi di scoprirela vostra. Commenta il nostro post.

Paola Granato

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SI PUO’ FARE

2008-11-15T04:01:00.000-08:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione SELEZIONE UFFICIALE
ANTEPRIMA|Fuori Concorso

SI PUO’ FARE di Giulio Manfredonia

“La follia è una condizione umana” dichiarava Basaglia “in noi la follia esiste ed è presente come la ragione. Il problema è che la società dovrebbe accettare tanto la ragione, quanto la follia, invece...”.
Prima dell’introduzione della legge 180/78 o Basaglia, i manicomi erano spazi di contenimento fisico dove venivano a volte utilizzati metodi sperimentali di ogni tipo, dall’ elettroshock alla malarioterapia. “Si può fare”, ambientato a Milano nei primi anni ’80, s’incarica di raccontare l’ Italia proprio nel periodo dell’entrata in vigore di questa legge.
Nello, un imprenditore ritenuto scomodo all’interno del sindacato, viene “nominato” direttore della cooperativa 180, un’associazione di persone con problemi di infermità mentale appena liberati dalla legge Basaglia. Scoprendo con stupore la vivacità e la voglia dei membri della cooperativa, Nello cerca con loro delle idee per entrare nel mondo del lavoro, sia per un autorealizzazione personale e dei pazienti che per sottrarsi alle elemosine dell’assistenza sanitaria.
Inizia così una tragicommedia interpretata da un serioso Claudio Bisio, perfetto nella parte dell’imprenditore amareggiato ma forte delle sue idee, supportato da un gruppo di attori talmente bravi, nella parte dei malati mentali, da sembrare veri. Forte nei sentimenti e negli argomenti trattati, Giulio Manfredonia si destreggia bene nel difficile ma reale problema di un’ evidente diversità non compresa, circondando il tema principale con le problematiche di un rapporto di coppia difficile a causa del lavoro intenso, con difficoltà sociali e burocratiche; il tutto trattato senza enfasi o drammaticità, ma in un racconto forte e arioso, che in alcuni punti fa sorridere e incanta, ma allo stesso tempo fa riflettere su temi delicati che appartengono alla società italiana, nel rispetto di chi convive e lavora con malati particolari.

Claudia Antignani

Uscita film in Italia: 31 ottobre 2008

Genere: Drammatico
Italia, 2008 – 111’
Regia: Giulio Manfredonia
Cast: C. Bisio, A. Caprioli, G. Battiston, G. Colangeli, R. Russo, A. Bosca, G. Calcagno, P. Ragusa, C.G. Gabardini.

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RESOLUTION 819

2008-11-14T04:08:00.000-08:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione SELEZIONE UFFICIALE
CINEMA 2008|Concorso

RESOLUTION 819
di Giacomo Battiato

L’ultimo film di Giacomo Battiato, in concorso al Festival del Cinema di Roma, non ha bisogno di parole e di commenti riguardanti all’estetica, alla bellezza delle scene, alla qualità tecnica, alla bravura degli attori: “Resolution 819” infatti si eleva al di là di ogni possibile discussione cinematografica, per imporsi come un’opera necessaria, utile, interessante. Della strage di Srebrenica, il massacro peggiore avvenuto in Europa dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale, il cinema ha ancora parlato troppo poco, motivo per cui una pellicola di questo spessore, che racconta e diffonde una storia così terribile, ha il diritto di non essere trattata soltanto come un’opera cinematografica. La “Risoluzione 819”, decretata dalle Nazioni Unite, rappresenta una garanzia e un impegno a proteggere e tenere al sicuro la popolazione musulmuna dell’enclave di Srebrenica, in Bosnia. Le truppe serbe del generale Mladic, sotto gli occhi impotenti dei caschi blu dell’ONU, nel luglio del 1995 invadono la zona protetta operando una “pulizia etnica” che in quattro giorni provoca il massacro di 8000 bosniaci. In seguito a questa strage, l’ONU invia in Bosnia un volontario per scoprire la verità su quanto accaduto: per l’investigatore francese Jacques Calvez si tratterà di un vero e proprio viaggio all’inferno, tra testimonianze, fosse comuni, resti umani e un odore rancido perennemente nell’aria, l’odore della morte.
La pellicola si limita a voler raccontare i fatti di Srebrenica, analizzando ogni indizio emerso dalle ricerche di Calvez e del suo team di specialisti. Restano negli occhi le dolorose scene di massacro, l’odore di putrefazione che dallo schermo della sala si insinua tra le poltrone del pubblico, colpendolo allo stomaco con la sua angosciante verità. Una lezione di storia che fa male, ma necessaria, che lascia interdetti di fronte alla banalità delle violenza e all’assordante silenzio che ci resta dentro dopo esserci posti un’inevitabile domanda: come è possibile tutto ciò?

Alessio Trerotoli

Regia: Giacomo Battiato
Con: Benoit Magimel, Hyppolite Girardot, Karolina Gruszka Nazionalità: Francia, Polonia, Italia
Anno: 2008
Durata: 83'

EL ARTISTA

2008-11-14T03:21:00.000-08:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione SELEZIONE UFFICIALE
CINEMA 2008|Concorso

EL ARTISTA
L'ARTISTA
di Mariano Cohn e Gastòn Duprat

Che cos’è l’arte? Per Andy Warhol l’arte è ciò che puoi riuscire ad ottenere da essa, per Pablo Picasso invece l’arte è una bugia che aiuta a realizzare la verità. Marcel Duchamp riteneva invece che l’arte non fosse nell’opera, ma nello spettatore, mentre per Cechov ciò che piace è arte, ciò che non piace non è arte. L’arte è questione di dibattito da secoli; diverse scuole di pensiero, artisti e filosofi hanno dedicato la loro esistenza nel cercare di dare una risposta, e la natura stessa di questo splendido film argentino è nella panoramica che si pone nei confronti dell’arte contemporanea, dove la linea che separa il mondo dell’arte da tutto il resto si è fatta inesorabilmente più sottile.
Jorge Ramirez svolge meccanicamente il suo lavoro di infermiere presso un istituto psichiatrico. Nella monotonia della sua vita irrompe l’anziano Romano, autistico, ma dallo straordinario talento artistico. Chiuso nel suo silenzio, che interrompe soltanto per chiedere le sigarette, Romano disegna dei quadri di grande spessore, che attirano immediatamente l’attenzione del suo infermiere. Jorge decide di appropriarsi dei lavori dell’anziano e di proporli ad una galleria d’arte spacciandosi per l’autore. Senza neanche rendersene conto si ritroverà ad essere un artista di culto, famosissimo e apprezzato in tutto il mondo, ma dovrà sempre continuare a fare i conti con l’ispirazione del suo assistito, a volte assente per ripicca nei confronti dell’infermiere plagiatore, e con l’assidua attenzione che il mondo dell’arte pone su questo nuovo grande artista, i cui silenzi di fronte alle domande dei critici d’arte sono letti come una straordinaria risposta alla crisi della società contemporanea piuttosto che esser visti per quello che sono: l’incapacità di un uomo di esprimere le sensazioni e le emozioni di fronte ad un’arte che non gli appartiene.
Diretto dalla coppia Cohn-Duprat, il film mette in mostra lo straordinario gusto estetico dei suoi autori: interamente girato con una lunga serie di inquadrature fisse, dove ogni sequenza sembra un’opera d’arte, negando in senso assoluto i movimenti di macchina e lasciando allo schermo il compito di porsi come cornice ideale di ogni quadro/inquadratura. Un film ironico ma allo stesso tempo riflessivo e profondo, capace di descrivere con bravura e maestria il difficile contesto dell’arte contemporanea e il paradosso per cui ogni uomo è un potenziale artista. Una delle migliori pellicole in concorso al Festival del Cinema di Roma.

Alessio Trerotoli

Nazionalità: Argentina, Italia
Regia: Mariano Cohn e Gastòn Duprat
Cast: Sergio Pangaro, Alberto Laiseca
Anno: 2008
Durata: 90'
Genere: Drammatico

ROCKNROLLA

2008-11-14T02:35:00.000-08:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione PROIEZIONE SPECIALE

ROCKNROLLAdi Guy Ritchie

Dopo i grandi successi di “Lock & Stock” e “The Snatch”, Guy Ritchie torna ad occuparsi della malavita londinese andando a formare una sorta di trilogia del crimine. “Rocknrolla” conferma tutta la bravura di Ritchie nel raccontare e intrecciare storie di gangster e malviventi sempre caratterizzati alla perfezione, offrendo di volta in volta un prodotto originale senza però discostarsi mai dal suo stile: così come la musica ha vissuto la sua epoca brit-pop negli anni 90, così il cinema di Guy Ritchie, grazie al timbro caratteristico delle sue pellicole, può essere definito come brit-crime cinema, un sottogenere perfettamente inserito nel vasto filone dei gangster movie.

Londra è una metropoli in costante espansione: il campo dell’edilizia è un settore in costante crescita, su cui inevitabilmente si sono posati gli occhi di imprenditori senza alcuna morale, disposti a spargere sangue pur di ottenere il controllo. Sul campo dell’edilizia sono scesi a giocare i gangster, è il caso di Lenny Cole (Tom Wilkinson), il boss che controlla gran parte della città: licenze, permessi. Il classico gangster “vecchia scuola” (il preside di questa scuola, come si definisce lui stesso nel film), costretto a collaborare con la nuova ondata criminale giunta in città, rappresentata da un miliardario russo. La quantità di soldi in circolazione alletta tutti i criminali della città, come il gruppo di malviventi del “mucchio selvaggio” (tra cui One Two, interpretato da un grande Gerard Butler), la splendida contabile Stella. Quando tutti i criminali della città si cercano, si inseguono, si rincorrono, si contrastano, l’oggetto intorno al quale ruota tutta la storia, un quadro fortunato, finisce nelle mani del figlio di Lenny, una rockstar tossicodipendente, Johnny Quid, che diventerà ben presto parte integrante dell’intera vicenda.

Tra Guy Ritchie e Londra c’è senza dubbio un legame particolare, il regista sembra nutrirsi dei vicoli della città, dei suoi bassifondi, della sua controcultura, per creare quel tipo di atmosfera che si avvicina al Tarantino dei primi anni in quanto a ironia, spettacolarizzazione della violenza, ritmo e intrattenimento, senza dimenticare la bravura di Ritchie nel conferire ai suoi personaggi una connotazione sempre divertente e “cool”. Non mancano le scene memorabili, come l’inseguimento tra One Two e un gangster russo inarrestabile, e l’esecuzione del Notturno di Chopin da parte di Johnny Quid al pianoforte di un pub. Il finale del film promette un ritorno dei personaggi in un sequel dal titolo “Il vero Rocknrolla”, nell’attesa del prossimo film di Guy Ritchie, centrato su uno dei personaggi più celebri della cultura londinese: Sherlock Holmes.

Alessio Trerotoli

Regia: Guy Ritchi
Con : Gerard Butler, Jeremy Piven, Thandie Newton, Gemma Arterton, Tom Wilkinson, Jamie Campbell Bower, Idris Elba, Mark Strong, Toby Kebbell, Bronson Webb
Nazionalità: Gran Bretagna
Durata: 114'
Anno: 2008
Genere: Azione

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PRIDE AND GLORY

2008-11-13T08:42:00.000-08:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione ANTEPRIMA UFFICIALE|Concorso

PRIDE AND GLORY IL PREZZO DELL'ONORE
di Gavin O’Connor

Il 2008 a quanto pare è l’anno delle pellicole su famiglie di poliziotti o della corruzione all’interno della polizia: già in “American Gangster” avevamo avuto un assaggio del giro di mazzette tra criminali e poliziotti, nel finale de “I padroni della notte” invece un’azione illegale di un poliziotto viene coperta dai colleghi (il film tra l’altro racconta proprio di una famiglia di poliziotti). Il recente “La notte non aspetta” racconta ancora un caso di corruzione all’interno del distretto di polizia. In questo contesto “Pride and Glory” non spicca certo per originalità, dando l’impressione di raschiare un barile già svuotato di ogni interesse.

New York. Quattro agenti di polizia sono morti durante un’azione, mentre cercavano di introdursi nella casa di un noto criminale legato alla droga. Ogni cosa fa pensare che siano caduti in un’imboscata dovuta ad una soffiata arrivata agli spacciatori proprio da qualcuno all’interno del distretto di polizia. Tutti gli agenti della narcotici si mettono al lavoro per rintracciare il criminale; Edward Norton, anche se riluttante, viene convinto dal padre Jon Voight (capo dei detective) ad occuparsi del caso, spaventato all’idea di dover scavare e indagare all’interno del distretto guidato da suo fratello Noah Emmerich e all’interno del quale lavora suo cognato Colin Farrell. Indizio su indizio, Edward Norton si troverà ben presto di fronte ad una scelta morale difficile da sostenere: coprire la verità, proteggendo così la sua famiglia e l’istituzione che rappresenta, o adempire ai suoi doveri, lasciandosi andare alla lealtà e all’onestà.

La divisa conferisce a chi la indossa orgoglio e gloria, come da titolo, ma che succede se non si è più degni di indossarla? O’Connor indaga sulla fitta rete di segreti e verità nascoste che si nascondono dietro il muro delle istituzioni, grazie ad una storia di lealtà famigliare e senso del dovere: il film, nonostante tutto, può vantare l’alta qualità del cast (bravissimi Norton e Farrell, due facce della stessa medaglia) e della regia (O’Connor nella prima parte del film regala un bellissimo piano sequenza attraverso il quale attraversiamo il luogo del crimine insieme ai personaggi). In concorso al Festival del Cinema di Roma, “Pride and Glory”, nonostante le buone intenzioni e l’ottima resa di alcune sequenze, non sembra però regalare niente di nuovo ad un genere cinematografico come il thriller poliziesco già abbastanza ricco sia di orgoglio che di gloria.

Alessio Trerotoli

Uscita film in Italia: 31 ottobre 2008

Regia: Gavin O’Connor
Con : Colin Farrell, Edward Norton, Jon Voight, Noah Emmerich, Jennifer Ehle
Nazionalità: USA
Durata: 125'
Anno: 2008
Genere: Drammatico

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Drei Litter

2008-11-10T08:41:00.000-08:00

Spot realizzato per il nuovo spettacolo della compagnia teatrale PONTEFOLLE

"Drei Liter"

Daniele Starnoni
Stefano Massa
Simone Saponieri

FRONTIERS

2008-11-10T05:50:00.000-08:00

FRONTIERSAI CONFINI DELL'INFERNO
di Xavier Gens

Sarebbe il caso di citare il titolo originale francese (un nome anglofilo con rimandi alle guerre stellari è notevolmente stonato con l’oggetto/film in questione): Frontière(s). Quindi sia il confine tra gli stati, che colloca il nostro mondo diegetico in quel punto tra la Francia e il Belgio che è tutto un buco di miniera, ma anche i confini, plurale imperativo, luogo/non luogo al di là dei limiti della civiltà, dei limiti della ragione, dei limiti dell’odio quando il Male assume i colori della follia da Superuomo.
E’ in una reale situazione al limite, dopotutto, che nasce il film di Gens, quegli scontri di manifestanti che seguirono la vittoria dell’estrema destra nell’ormai lontano 2002. Un clima che da subito è proiettato in un mondo di violenza, di rapine, di spari e di pestaggi, e dove fin dall’inizio del racconto la gente muore per mano d’altri uomini. Per arrivare nel corso del film, attraverso un ritmo ben sostenuto e al di là dei clichè di genere mai troppo ovvi, all’inevitabile condensazione della rabbia umana in continui corpo a corpo mutilanti e sanguinosissimi, i giovani da un parte (esclusi, stranieri e sconosciuti quanto gli attori, molto bravi) e i vecchi conservatori dall’altra. La rabbia di vita e la repressione patriarcale.
Se da un lato la situazione scenica è l’esplicita riproposizione survival delle porte che non vanno aperte, con tanto di famiglia cannibalescamente folle di stampo nazionalsocialista, d’altra parte la critica progressista è degna figlia dell’esemplare supermarket antrofagocitante dell’off-Hollywood anni ‘70.
Gens non si ferma tuttavia a Hooper e Romero nelle sue citazioni: da postmodernista forse inconsapevole, o da semplice amante consapevole, il regista, prossimo allo sbarco californiano nel prossimo Hitman, fa apparire sulla scena Cronenberg, Stephen King, Alien, dando un assaggio di cinema americano in territorio gallico. Ma non è solo una questione di cinefilia, è anche una questione di stile: Xavier Gens è stato aiuto regista europeo di Frankenheimer, Tsui Hark, Ringo Lam, ed in questa sua opera prima la brillante lezione è evidente.
Dunque, uno splatter se non d’autore da bravo artigiano, dotato del necessario per non far sparire la tensione e la paura e quindi per far rimanere lo spettatore incollato alla storia. Dopotutto è lo scopo del cinema, credo.
Se c’è un limite in questo divertente seppur macabro film, è nella riproposizione di un vecchio problema del mondo di celluloide: il nazista folle. Il nazismo malato di complessi edipici e di bulimia. Di sfrontata e folle crudeltà.
Se la critica sociale è sperata da Gens, e pure bene seminata, il facile figuro del folle gerarca, in mezzo ad altri ben riusciti mattoni dell’horror perfetto (il sesso, i rapporti morbosi, la fame), dipinge l’atrocità storica ancora una volta del colore della follia, e non permette di arrivare al cuore del rifiuto: se fossero stati matti, i nazisti non avrebbero ottenuto il potere...
Riduzione troppo semplicistica, ecco, forse è questo che pecca nella scelta dell’antagonista. L’essere nazista alla fine diventa, in questo genere di film, solamente un appellativo altro e in più, senza scatenare riflessioni troppo profonde. Uno spreco, insomma.
Ma non è questa che una piccola osservazione: nel complesso, Gens fa bene il suo lavoro, si discosta da una forte autorialità che potrebbe appartenergli come europeo e dimostra di saper lavorare nella cornice del genere.
Come a dire, il sangue è tanto ma non è gratuito in questi spazi di Frontière(s).
Ah, piccola nota finale: durante gli scontri iniziali proposti dal film, legati al contesto politico con la destra che ottiene le massime cariche, un commentatore tv riporta le accuse ufficiali ai facinorosi animatori degli scontri e duramente repressi dalla polizia. Credo che Gens abbia citato tutti, ma inconsapevolmente anche i cugini d’Oltralpe.

Damiano Brogna

Uscita film in Italia: 7 novembre 2008

Regia: Xavier Gens
Con: Karina Testa, Samuel Le Bihan, Estelle Lefebure, Aurélien Wiik, David Saracino
Durata: 103'
Nazionalità: Francia, Svizzera
Anno: 2007
Genere: Horror

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Premiazione

2008-11-10T05:30:00.000-08:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA

PREMIAZIONE

"Opium War" e "Resolution 819": Il Festival premia l’impegno politico e umano

In una sala Sinopoli gremita di giornalisti, politici, addetti ai lavori e centinaia di appassionati, ha avuto luogo l’attesa cerimonia di premiazione della terza edizione del Festival del Cinema di Roma. Sotto lo sguardo attento del presidente Rondi, che ha introdotto la serata ringraziando il pubblico per la partecipazione e per la votazione, quindi sono stati presentati i cinque membri della giuria, cinque critici cinematografici internazionali tra cui il nostro Edoardo Bruno.
Sezione Alice nella città (giuria sotto i 12 anni): Miglior film il francese “Magique!” di Philippe Muyl. Ha ritirato il premio il giovane protagonista del film, il piccolo Louis Dussol che ha approfittato dell’occasione per ringraziare tutti coloro che hanno partecipato alle riprese, per poi leggere un messaggio del regista del film: “Non sono qui perchè avevo promesso di presentare una serata in un piccolo cinema di provincia, avevo dato la mia parola e non potevo non mantenerla. Il film è per tutti gli adulti che credono di sentirsi ancora bambini: io credo ancora nella dolcezza”.
Sezione Alice nella città (giuria sopra i 12 anni): Miglior film il britannico “Summer” di Kenny Gleenan, con Robert Carlyle. Ha ritirato il premio lo stesso regista: “Sei nervoso quando cerchi i soldi per i film, l’ansia poi resta durante la lavorazione e non parliamo di quando si riceve un premio così importante”.
Dopo i due premi della sezione “Alice nella città”, è arrivato il momento del Marc’Aurelio d’oro: una menzione speciale è stata ricevuta dal film “Aide toi, le ciel t’aidera” e “A Corte do Norte”. Il regista portoghese di quest’ultimo, Joao Botelho, ha ricevuto un applauso gonfio d’entusiasmo per le sue inaspettate parole: “Essere a Roma è stata un’esperienza bellissima, in particolare è stato stupendo vedere un milione di studenti per le strade a manifestare”. Assegnate le menzioni speciali, Donatella Finocchiaro (”Galantuomini”) e Bohdan Stupka (”With a warm heart”), hanno ricevuto il Marc’Aurelio d’oro per la migliore interpretazione femminile e maschile, quindi è arrivato il momento dei film in concorso.
Marc’Aurelio d’oro al miglior film, assegnato dalla critica: “Opium War” di Siddiq Barmak: “Porterò questo premio come segno di pace in Afghanistan”. La scelta della critica ha voluto premiare il regista dell’acclamato “Osama”, per il suo modo di trattare e di soffermarsi su un argomento delicato come la guerra in medioriente. Restano così a bocca asciutta film di grande spessore come l’apprezzatissimo “El Artista” (uno dei favoriti alla vigilia) e il tedesco “Shattenwelt”.
Marc’Aurelio d’oro al miglior film, assegnato dal pubblico: “Resolution 819″ di Giacomo Battiato, che ha ricevuto anche un premio di 75000 euro assegnato dallo sponsor BNL: “Questi soldi in parte andranno ai profughi bosniaci, vittime di una guerra che abbiamo avuto accanto, a cui abbiamo dato le spalle diventando per questo complici. Il resto lo userò per il mio prossimo film, quindi sono soldi che resteranno nel cinema”. Dalle voci che sfuggono incontrollate per i corridoi dell’Auditorium, il film di Battiato sembra aver avuto la meglio per una manciata di voti su “Il Passato è una terra straniera” di Vicari. “Resolution 819″ è stato premiato probabilmente più per la potenza del tema trattato che per la qualità effettiva del prodotto, un film di buona fattura che ha raccontato la strage di Srebrenica in Bosnia, nel 1995. Una pellicola forte e potente, che ha sensibilizzato il pubblico conquistandolo con la potenza della sua storia. Un premio inatteso ma meritato.
Il Festival si è chiuso con un grande finale pirotecnico, la cavea dell’Auditorium si è infatti illuminata a giorno sotto le luci dei fuochi d’artificio, mentre in sottofondo scorrevano le musiche di John Williams (”Guerre Stellari”) ed Ennio Morricone (”C’era una volta il West”).

Alessio Trerotoli

I PREMI DI ALICE NELLA CITTÀ
-Premio Alice nella città (8 - 12 anni): MAGIQUE! di Philippe Muyl
-Premio Alice nella città (13 – 17 anni): SUMMER di Kenneth Glenaan

IL PREMIO ASSEGNATO DAL PUBBLICO
-Premio Marc’Aurelio d’Oro del pubblico al miglior film: RESOLUTION 819 di Giacomo Battiato

I PREMI ASSEGNATI DALLA GIURIA DI CRITICI
-Premio Marc’Aurelio d’Oro al miglior film: OPIUM WAR di Siddiq Barmak
-Premio Marc’Aurelio d’Argento alla migliore interprete femminile: DONATELLA FINOCCHIARO per Galantuomini di Edoardo Winspeare
-Premio Marc’Aurelio d’Argento al miglior interprete maschile: BOHDAN STUPKA per Serce na dloni (With a Warm Heart / Il cuore in mano) di Krzysztof Zanussi

MENZIONI SPECIALI:
-A CORTE DO NORTE (Northern Land / La tenuta al nord) di João Botelho
-AIDE TOI, LE CIEL T’AIDERA (With a Little Help from Myself) di François Dupeyron

I PREMI ALLA CARRIERA
-Premio Marc’Aurelio d’Oro alla carriera all’Actors Studio. Ha ritirato il premio Al Pacino
-Premio Marc’Aurelio d’Oro alla carriera a Gina Lollobrigida

Vincitori premi collaterali

2008-11-01T09:06:00.000-07:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA

VINCITORI PREMI COLLATERALI

Verdetti a sorpresa

Il Festival internazionale del film di Roma sta giungendo al termine, ma come in tutti i festival che si rispettino, freme il desiderio (spero non solo mio!) di scoprire quali saranno i vincitori delle varie sezioni, sperando di non rimanere delusi dai verdetti. Se nel pomeriggio in passerella avremo due “big” che chiuderanno la kermesse romana, Lollobrigida (premiata alla carriera presenterà il documentario autobiografico Gina Lollobrigida. Un simbolo italiano) e Ranieri (assente in conferenza stampa, ma atteso per la proiezione de L'ultimo pulcinella), la desolazione mattutina è stata smorzata dai primi risultati per quanto riguarda i cosiddetti “premi collaterali”, che sicuramente hanno destato qualche sorpresa tra gli addetti ai lavori.

Il Premio L.A.R.A. (Libera associazione rappresentanza di artisti) al migliore interprete italiano tra i film in concorso in tutte le sezioni del Festival è stato assegnato a Michele Riondino, protagonista al fianco di Elio Germano del film di Vicari Il passato è una terra straniera. Menzione speciale in questa sezione, per tutto il cast del film di Giulio Manfredonia, Si può fare, presentato ieri sera tra le Anteprime fuori concorso.

Il Premio Cult al miglior documentario tra i 12 in anteprima nella sezione “L'Altro Cinema”, è andato a Gyumri di Jana Sevcikova.
Il Premio Enel Cuore al miglior documentario sociale, sempre tra quelli della sezione “L'Altro Cinema – Extra”, a Life. Support. Music. di Eric Daniel Metzgar.
Il Premio Farfalla d'oro Agiscuola, assegnato da una giuria di ragazzi di tutta Italia ad Aide toi, le ciel t'aidera di François Dupeyron.

Tutto questo come assaggio rispetto ai premi più ambiti che nel tardo pomeriggio verranno consegnati durante un evento speciale; nel corso delle premiazioni ufficiali, infatti, oltre al già citato Premio alla Carriera per la Lollobrigida, grande interprete del cinema nostrano, saranno premiati, nell'ambito della Selezione Ufficiale, il miglior film (per critica e per pubblico) e i migliori interpreti maschile e femminile; per la sezione “Alice nella città”, invece, che tante cose di alto livello ha saputo far vedere al pubblico, saranno premiati i migliori cortometraggi scelti dai ragazzi sotto e sopra i 12 anni d'età.

La terza edizione del festival si chiuderà con uno spettacolo pirotecnico serale , mentre nell'arco della giornata di domani, sempre all'Auditorium saranno proiettati i film premiati.

Patrizio Caruso

QUELL'ESTATE

2008-11-01T08:32:00.000-07:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione ALICE NELLA CITTA'

QUELL'ESTATE THAT SUMMER
di Guendalina Zamoagni

Film fresco, divertente. Una commedia dal sapore agrodolce, lontana dagli sfarzi di altri film “toscani” alla Pieraccioni, ma con un cast a metà tra esordi ed indubbia maturità artistica che ha contribuito alla realizzazione in modo assolutamente positivo: Alessandro Haber e Pamela Villoresi da una parte; Diane Fleri dall'altra solo per citare la rappresentante più nota di un gruppetto di giovani e giovanissimi attori, o aspiranti tali, che fanno di questo film un piccolo diamante. Buon risultato per una produzione a basso budget e tempi di produzione strettissimi.
Opera d'esordio di Guendalina Zampagni, basata su un soggetto scritto da Tommaso Avati (figlio di Pupi), il quale aveva inizialmente rinunciato alla regia ma ha poi contribuito alla sceneggiatura, “Quell'estate” riporta alla luce ricordi ed emozioni di una famiglia degli anni '80 in vacanza nella loro casa in Toscana.
Vittorio (Haber) e Marinella (Villoresi), sono padre e madre di questa famiglia, composta anche da Eleonora (la bellissima Fleri) e da Matteo (Jacopo Troiani).
Il film racconta le loro vicende, i loro desideri, le loro speranze, perché ognuno di loro ha bisogno di qualcosa; quel qualcosa che rende la situazione familiare così instabile e falsamente serena: Vittorio sta provando a ristabilirsi dai postumi di un attacco cardiaco; Marinella cerca di tirare avanti un rapporto che è diventato abitudine; Eleonora, ragazza madre, torna al paese per ritrovare l'amato Antonio e si ritrova alle calcagna uno sbadato e dolce ragazzo del paese, Giulio, entrato in casa per dare ripetizioni a Matteo.
Quest'ultimo è l'unico elemento “normale” in una famiglia in crisi, forse il più maturo, alle prese con la classica cotta adolescenziale per una ricca ragazza che con le sue cugine fa girare la testa a lui e ai suoi compagni di avventure (esilaranti per la loro genuinità di interpretazione).
L'estate che vivranno sarà importante perché, in un modo o nell'altro, cambierà le vite di tutti.
Un successo per il film della Zampagni potrebbe voler dire che in fondo c'è ancora speranza per film di qualità a basso budget, rispetto ai molti film di dubbio gusto che popolano le nostre sale.

Patrizio Caruso

Regia: Guendalina Zamoagni
Cast: Alessandro Haber, Pamela Villoresi, Diane Fleri, Jacopo Troiani
Italia, 2008 – durata 82'

MIDDLE OF NOWHERE

2008-11-01T08:03:00.000-07:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione ALICE NELLA CITTA'

MIDDLE OF NOWHERE
di John Stockwell

Villette, staccionate, vialetti, biciclette…insomma la tipica cittadina di provincia americana vista in tonnellate di film e che, come si sa, non offre grandi possibilità a chi ci abita: è qui che si svolge la vicenda di Middle of Nowhere presentato al Festival Internazionale del film di Roma nella sezione Alice nella città.
Grace (Eva Amurri) è la classica brava ragazza che sogna di entrare all’università e diventare medico; per riuscirci deve trovare i soldi e per questo lavora come bagnina in un parco acquatico (unica attrattiva della ridente città). Vive con la madre Rhonda - interpretata da una fantastica Susan Sarandon, vera madre della Amurri - e con la sorella Taylor (Willa Holland).
Rhonda, madre irresponsabile rimasta vedova, rimprovera costantemente sua figlia Grace di essere “troppo seria” e vive per la figlia minore che vuole diventare modella e in favore della quale sperpera i soldi per l’università di Grace, costringendola a tentare di chiedere un mutuo che non le verrà concesso.
Ma andando avanti il film ci rivela che non tutto è come sembra: Taylor vuole veramente fare la modella o quello è il sogno di sua madre? È forse una profonda sofferenza che porta Rhonda a comportarsi in quel modo?
A sconvolgere la vita di questa famiglia, già di per se atipica, ci pensa Dorian (Anton Yelchin) collega di Grace al parco acquatico.
Dorian figlio adottivo di una famiglia alto borghese, è mandato dai genitori a stare dallo zio a lavorare durante l’estate. Propone a Grace di entrare in società: per far soldi cominciano a spacciare marijuana. Intraprendiamo così un viaggio on the road nella provincia americana dove l’apparenza inganna sempre e comunque: non sono solo i giovani quindicenni a fare uso di droghe leggere ma i “clienti” di Dorian sono insospettabili.
Attorno a questa vicenda si sviluppano tematiche tipiche dell’universo adolescenziale: amore, feste, rapporto con i genitori: un viaggio che traghetta i protagonisti verso l’età adulta.
Il film sviluppa in maniera molto originale argomenti che abbiamo visto trattati in molti film per adolescenti, ma la cosa più sorprendente è la maniera in cui viene trattato l’argomento della droga. Sicuramente non inneggia al consumo delle droghe leggere e i protagonisti vengono, in un certo senso, puniti per il modo in cui cercano di guadagnarsi i soldi, ma è tutto molto leggero, non c’è retorica ne moralismo.
È un film destinato sicuramente a un pubblico giovane ma godibilissimo da tutti sia per la buona qualità che per gli interpretazione degli attori.

Paola Granato

Genere: Commedia
Stati Uniti, 2008 - 95’
Regia: John Stockwell
Cast: S. Sarandon, E. Amurri, A. Yelchin

ESTOMAGO

2008-11-01T07:09:00.000-07:00

FESTIVAL INTERNAZIONALE
DEL FILM DI ROMA
sezione OCCHIO SUL MONDO

ESTOMAGO ESTOMAGO - UNA STORIA GASTRONOMICA
di Marcos Jorge

Estomago è il film italo-brasiliano che ha aperto la sezione Occhio sul mondo del Festival Internazionale del Film di Roma.
È il primo lungometraggio di Marcos Jorge co-prodotto dalla Indiana Production di Gabriele Muccino, Marco Cohen e Fabrizio Convito, grazie all’accordo bilaterale Italia-Brasile siglato all’inizio degli anni ’70.
Ha girato molti festival e vinto molti premi diventando film rivelazione dell’anno in Brasile. Anche qui al Festival di Roma ha riscosso molto successo, peccato che abbia avuto un solo passaggio senza repliche.
Narra la storia di Raimundo Nonato un ragazzo di campagna “senza arte ne parte” e senza soldi che, grazie al proprietario di una rosticceria, scopre l’arte della cucina.
Cucinare gli aprirà il mondo dei sapori, dell’amore, del sesso e del potere.
La particolarità di questo film non sta solo nella storia ma (finalmente!) anche nel modo in cui viene raccontata: attraverso il montaggio alternato ci vengono mostrati momenti diversi della vita del cuoco: Raimundo cucina in un bar, in un prestigioso ristorante italiano e poi in carcere; un puzzle che ricomporremo solo alla fine.
In un mondo diviso tra forti e deboli, Raimundo sceglie di cucinare e attraverso quest’arte riesce a compiere la sua singolare scalata sociale prendendo tutti per la gola.
È un film fatto di odori, puzze, sapori ottimi e disgustosi. “Con il cibo non bisogna avere pregiudizi” - ripete più volte Raimundo - i sapori più dolci possono nascondersi dietro alle pietanze apparentemente più ripugnanti.
Cibo come nutrimento della carne e dello spirito ma anche come validissima e - talvolta - pericolosa merce di scambio.
Estomago è una favola per adulti dalla comicità grottesca e un finale sorprendente che sarebbe molto bello vedere nelle sale.

Paola Granato

Genere: Drammatico
Brasile 2007 - 112’
Regia: Marcos Jorge
Cast: J. Miguel, F. Nascimento